Text: Renate Feyerbacher

Ausblick und Rückblick

Für die kommende Spielzeit 2012 /2013 gibt es diesmal kein Motto. Das zunächst alles beherrschende Projekt ab September wird Johann Wolfgang von Goethes “Faust” als “theatralische Offensive” sein. Elfriede Jelinek wird mit ihrem Sekundärdrama zu Urfaust “FautIn and out” dabei sein, auch Christopher Marlowe als Puppenspiel für Kinder ab zehn Jahren.

Aber die Faust-Manie wird nicht gänzlich die Schauspiel-Bühne beherrschen. Einige der anderen Höhepunkte sind: Carl Zuckmayer “Des Teufels General”, Hans Fallada “Kleiner Mann, was nun?” (Regie Michael Thalheimer), Ödon von Horváth “Kasimir und Karoline” (Regie Christoph Mehler), William Shakespeare “Otello” (Regie Andrea Breth), Anton Tschechow “Die Möwe” (Andreas Kriegenburg). Wer die Regisseure kennt, wird begeistert sein. Ausserdem gibt es zwölf Uraufführungen wichtiger junger Autoren, Jugendstücke und wie gehabt die Gesprächsreihen von Daniel Cohn-Bendit und Michel Friedman.

Ein Blick zurück in die bald zu Ende gehende Spielzeit:

Intendant Oliver Reese hat sich mit seinem Programm endgültig in Frankfurt etabliert. Die Auslastung der Häuser konnte bis Ende März 2012 auf über 86 Prozent gesteigert werden.

Intendant Oliver Reese vor dem Thomas Bernhard-Relief im Schauspielhaus am 25. 4. 2012; Foto: Renate Feyerbacher

Wieder gespielt wurden die Stücke “Ödipus /Antigone” (Regie Michael Thalheimer), “Das Weisse Album”, Jean Racine “Phädra” (Regie Oliber Reese) und “Maria Stuart” (Regie Michael Thalheimer), “Die Katze auf dem heissen Blechdach” (Regie Bettina Bruinier), “Die Frau, die gegen die Türen rannte” (Regie Oliver Reese), “Einsame Menschen”. (Regie Hanna Rudolph). Bis auf “Das Weisse Album” und “Die Katze auf dem heissen Blechdach” werden alle genannten Stücke auch in der kommenden Spielzeit wieder gezeigt. Es sind sehenswerte Aufführungen sowohl im Hinblick auf die Regie als auch die schauspielerischen Leistung (s. Starke Stücke im Schauspiel Frankfurt / 1 und Starke Stücke im Schauspiel Frankfurt / 2).

Immer wieder holt Oliver Reese, ehemaliger Intendant des Deutschen Theaters Berlin, Gastspiele von dort an den Main. Ich denke an Thomas Bernhard “Ritter, Dene, Voss” (Regie Oliver Reese, mit Constanze Becker, Ulrich Matthes und Almut Zilcher) im November 2009, wenig später Anton Tschechow “Die Möwe” (Regie Jürgen Gosch [1943 bis 2009], mit Corinna Harfouch und Katheen Morgeneyer ), eine geniale Inszenierung mit fantastischen Schauspielerinnen und Schauspielern, an Samuel Beckett “Endspiel” (Regie Jan Bosse, mit Ulrich Matthes und Wolfram Koch) im Januar 2011, zwei geniale Beckett-Gestalten.

Ulrich Matthes und Wolfram Koch am 20. 2. 2011 beim Schlussapplaus; Foto: Renate Feyerbacher

Ich denke an Gerhart Hauptmann “Die Ratten” im Januar 2012 (Regie Michael Thalheimer), eine klare, moderne Interpretation mit einer eindrucksvollen Constanze Becker, an Maxim Gorki “Kinder der Sonne” (Regie Stephan Kimmig, mit Nina Hoss, Katharina Schüttler und Ulrich Matthes). Für diese Inszenierung erhielt Kimmig den Theaterpreis FAUST, der im letzten Jahr in der Oper Frankfurt verliehen wurde. Die anfangs so lässig daher kommende, scheinbar belanglose Geschichte, in der jeder sich selber sehr nah, aber dem anderen fern ist, der dann die Sonne abhanden kommt, deren Leichtigkeit in Düsternis versinkt, fasziniert und begeistert durch grosse Schauspielkunst.

Katharina Schüttler, Ulrich Matthes, Nina Hoss beim Schlussapplaus am 1. 5. 2012; Foto: Renate Feyerbacher

Neue Stücke in der Spielzeit 2011/2012 – eine Auswahl

“Medea” – liebende Mutter, Kindermörderin, Rächerin – ein Geschlechterkampf

Leere Bühne, hinten, eine Art Gazenetz-Vorhang, der sich später heben wird, und eine hohe Wand mit einer Stufe, die sich etwas nach vorne schiebt. Plötzlich ein dumpfer Schlag, dann werden es viele Schläge, wie hämmernd prasselt es auf das Publikum. Es sind die Schritte der schwarz  gekleideten Amme (Josefin Platt) auf Kothurnen. Minutenlang durchschreitet sie so diagonal die Bühne. Düsteres kündigt sich an. Eine Kälte, wie sie kaum besser realisiert werden kann.

Auf der Stufe oder dem schmalen Steg agiert Medea: stehend, hockend, sich krümmend, schreiend, verzweifelnd, gedemütigt, verspottet, blutend – sehr entfernt vom Zuschauer.

Constanze Becker (Medea); Foto © Birgit Hupfeld, Schauspiel Frankfurt

Jason, ihr Mann, Vater der beiden Söhne, hatte sie verlassen, um Kreons Tochter zu heiraten. “Ich trenne mich von dir, um eine Mann durch mich zu sein”. Sie, die für ihn ihre Familie in Kolchis verraten hat, die das Goldene Vlies entwendete und nun als Fremde in Korinth lebt, hatte für Jason alles getan und geholfen, ihn zum griechischen Helden zu machen. Nun will sie König Kreon mit den Kindern verbannen. “Ich, die ihm einst so viel bedeutete, bin ihm nun nichts mehr wert” (zitiert nach Programmheft “Medea”, übersetzt von Peter Krumme, Verlag der Autoren Frankfurt).

Noch oben stehend ist sie wie verwandelt: heuchelnd, bittend, flehend, lügend, schmeichelnd beginnt sie ihren Racheplan zu schmieden. Er gipfelt im Kindermord. Sie umgarnt Kreon und Jason.

Am Ende, wenn diese Mauer fast zum Bühnenrand vorgefahren wird und wieder nur einen schmalen Steg für die Agierenden lässt, Jason fast von der Bühne drückt, ist sie wie verwandelt: im Businesslook, im schwarzen Kleid, adrett, selbstbewusst schreitet sie fort, einen zerstörten Gatten zurück lassend. Sie geht nach Athen, wo ihr der kinderlose König Aigeus Asyl gewährt, hoffend auf Kinder. Höchst umstritten ist diese zwiespältige Frau.

Euripides schrieb diese Tragödie, die 431 v. Chr. uraufgeführt wurde. Er nennt Medea eine “grimmige Löwin und kein Weib”, aber am Ende lässt er sie entschweben, von Zeus unterstützt. Zwiespältig zeichnet er diese Figur: Er zeigt sie als Monster, verurteilt sie, lässt sie dann über sich hinauswachsen, sich emanzipieren. Ist er auf Seiten Medeas?

Regisseur Michael Thalheimer; Foto: Renate Feyerbacher

Der vielfach ausgezeichnete Regisseur Michael Thalheimer (*1965 in der Nähe von Frankfurt) hat diesen Schluss unglaublich zeitnah umgesetzt. Das verbale Duell zwischen Medea und Jason geht voll an die Substanz – Geschlechterkampf pur.

So makaber es ist, Medea hat sich befreit, das Unglück, eine Frau zu sein, überwunden. Jason, im dunkelblauen Samtanzug, trumpft zunächst als Mann auf, wird aber von ihr total fertiggemacht. Marc Oliver Schulze ist ein schauspielerisch ebenbürtiger Gegenspieler, Verlierer. Becker und Schulze waren bereits in Talheimers “Ödipus” / “Antigone” ein beeindruckendes Gespann.

Den Chor bündelt er in der Person von Bettina Hoppe, die sachlich, aber mit einfühlsamer Teilnahme den seelischen Zustand schildert. Martin Rentzsch als Kreon bestimmend, aber nicht bösartig, Michael Bentheim als indifferenter König Aigeus und Viktor Tremmel als unsicherer Bote. Ein überzeugendes Schauspielerteam.

“Hamlet, Prinz von Dänemark” – Zauderer, Handelnder

Ein Held ist er nicht, dieser däniche Prinz Hamlet. Er erkennt nicht, ob die Heimsuchung durch den Geist des toten Vaters, der vergiftet wurde, Trug oder Wahrheit ist. Und so beginnt er zwischen Realität und Wahn zu schlittern. Soll er handeln, also rächen, wie er es dem Vater versprach, oder soll er tatenlos über das Geschehene hinweg gehen?

Regisseur Oliver Reese hat die Rolle des Hamlet mit Bettina Hoppe besetzt. Ein Wagnis? Sie ist auch ein Juwel im Frankfurter Ensemble. 2010 war sie nominiert für den Theaterpreis DER FAUST für ihre Darstellung als Stella. Eine gute Entscheidung? Ja. Sie hat das Talent, männliche Eigenschaften in ihren Rollen glaubhaft umzusetzen. Herb kann sie sein. Ihre Fechtszene mit Laertes, dem Sohn des durch Hamlet ermordeten königlichen Beraters Polonius und Bruder von Ophelia, die sich das Leben nahm, ist von unglaublicher Härte.  Aber dann setzt sich Hamlet/Hoppe an den Flügel, sinniert und spielt. Grandios wie er/sie zögert, nachdenkt, es ist zu sehen, wie Verstand und Gefühl miteinander hadern und wie er/sie schliesslich brutal zuschlägt, ohne die absolute Wahrheit gefunden zu haben.

“Ich muss unmenschlich sein, nur um menschlich zu sein.”

Bettina Hoppe (Hamlet); Foto © Birgit Hupfeld, Schauspiel Frankfurt

William Shakespeare (1564 bis 1616) hat “Hamlet” geschrieben. War der Autor dieser Mann aus Stratford-upon-Avon oder der Earl Edward de Vere, Earl of Oxford (1550 bis 1604)? Wie dem auch sei, “Hamlet” ist ein Stück der Weltliteratur, das auf unseren Bühnen ständig präsent ist.

Die ganze Bühne ist ein Spiegelsaal, der hinten durch Treppen abfällt (Bühne: Hansjörg Hartung). Wenn Türen geöffnet und geschlossen werden, vibrieren die Wände. Die Spiegelungen, die nichts Konkretes vermitteln, verschwimmen, passen ausgezeichnet zu der oberflächlich-eleganten Hofgesellschaft. Oliver Reese wechselt zwischen Dynamik und Ruhe. Ein agiles Schauspielerteam steht ihm zur Verfügung mit Stephanie Eidt als Hamlets Mutter und Till Weinheimer als König Claudius, Bruder und Mörder von Hamlets Vater. Ein glamouröses Paar. Sébastien Jacobi ist ein starker Laertes, seine Schwester Ophelia, gespielt von Sandra Gerling, ein zaghaftes Geschöpf. Es ist spannend inszeniert, am Text entlang, allerdings ohne besondere Inspiration.

“Die Physiker” – verrückte Verrückte

Sie sagen, sie seien Newton, Einstein, Möbius, drei Physiker im teuren Schweizer Sanatorium, besser Irrenanstalt genannt. Irre geht es wirklich zu und gefährlich sind die drei auch: eine Krankenschwester nach der anderen wird von ihnen umgebracht.

Betreut werden sie von Fräulein Doktor Mathilde von Zahnd, hochhackig, mit wippendem Rock, drall, rothaarig, zigarrettenrauchend – herrlich dargestellt von Traute Hoess. Suffisant lächelnd, stolzierend, in die Kemenaten der vermeintlich Verrückten kletternd, das ist irre. Das Bühnenbild (Robert Schweer) steht auf dem Kopf – ver-rückt, so auch Markus Bothes Regiearbeit.

Thomas Huber (Einstein), Andreas Uhse (Möbius), Sascha Nathan (Newton); Foto © Birgit Hupfeld, Schauspiel Frankfurt

Sascha Nathan, ein grandioser Komödiant, spielt Beutler alias Newton, Thomas Huber den Ernesti alias Einstein und Andreas Uhse, der in “Mein Kampf” von George Tabori brillierte, spielt Möbius, den echten Physiker, der sich ins Sanatorium zurückzog um seiner Forschung willen. Die, die sich als Newton und Einstein ausgeben, sollen ihn aushorchen und zur Mitarbeit ihrer jeweiligen Gesellschaft gewinnen. Und das Fräulein Doktor – welche Rolle spielt sie? Es soll nicht verraten werden.

Der Schweizer Schriftsteller Friedrich Dürrenmatt (1921 bis 1990) beglückte die Theaterwelt mit tragikkomischen Stücken wie “Die Physiker” (1962) und “Der Besuch der alten Dame” (1956). Kennzeichen seines Schreibens sind Katastrophen, Pannen und Desaster. Scheinbar witziger Galgenhumor in unserer desaströsen Welt.

„Ein Sommernachtstraum“ – die Zelt-Produktion nun im Grossen Haus.

2011 wurden Bühnen- und Lichttechnik aus dem Jahr 1963 im Schauspiel Frankfurt modernisiert. Und um keinen Leerlauf im Spielplan zu haben, wurde ein Zelt an der Honsellbrücke aufgebaut. In diesem Ambiente war “Ein Sommernachtstraum” ideal.

Sascha Nathan (Puck), Michael Goldberg (Oberon), Bettina Hoppe (Titania), Torben Kessler (Inderjunge); Foto © Birgit Hupfeld, Schauspiel Frankfurt

Wieder ein grossartiges Schauspielerteam, aber für meine Begriffe eine zu duchgeknallte Regie von Markus Bothe.

Alle genannten Stücke sind noch im Mai und im Juni im Grossen Haus des Schauspiel Frankfurt zu sehen und ausser “Ein Sommernachtstraum” auch in der neuen Spielzeit ab September 2012.

s. a.  Starke Stücke im Schauspiel Frankfurt / 1
Starke Stücke im Schauspiel Frankfurt / 2

Unser Haus- und Hofdichter habust dichtet und dichtet und dichtet … Heute gibt ‘s eine kleine Moritat, nichts für gar zu schwache Nerven. Dennoch, auf zu Folge 17!

(©  habust; Foto: GearedBull wikimedia commons GFDL)

Giuseppe Penone: Idee di Pietra (Ansichten eines Steins), Bronze und Stein, Karlsaue Kassel, 2004/2010

Er ist fast schon so etwas wie ein Symbol oder Wahrzeichen für die bevorstehende documenta 13 in Kassel: der kahle Baum aus Bronze mit dem wuchtigen Stein in seinem Geäst und dem kleinen lebendigen Trieb zwischen seinen Wurzeln. Am 21. Juni 2010 bereits wurde Giuseppe Penones rund neun Meter hohes Kunstwerk an seinem Platz in der Kasseler Karlsaue, seit jeher Freilicht-Ausstellungsstätte der weltweit bekannten temporären Schau zeitgenössischer Kunst, “eingeweiht”. Wir haben bei unseren Besuchen in der alten Residenzstadt den Eindruck gewonnen, die Kasseläner, Kasselaner und Kasseler (jeweils auch in ihrer weiblichen Form, und bewahren Sie den Autor um Himmels willen vor einer Spezifikation dieser drei Kategorien von Einwohnerinnen und Einwohnern), sie mögen ihn, diesen Baum samt seiner steinernen Last, und identifizieren ihn mit dem herannahenden Kunstereignis. Das Bild des Baumes ist inzwischen um die halbe, wenn nicht die ganze Welt gegangen und ziert Drucksachen des Kasseler Marketings.

Wir werden noch auf ihn zurückkommen.

Was aber tut sich da auf dem viele Hektar grossen Bowlinggreen (Karlswiese, Kassel-mundartlich auch “Bollengrün”) vor dem Orangerieschloss?

Ein zweigipfeliger Berg wird aufgeschüttet, und bepflanzt wird er auch noch: sehr documenta- und also Kunstwerk-verdächtig. Ist da irgendwo ein Problem? Wohl kaum, ist doch der grosszügig barock angelegte, die ursprüngliche naturgegebene Auenlandschaft vergewaltigende, erst später mit Elementen des englischen Gartens angereicherte (und auch auf diese Weise wiederum vergewaltigte) heutige Staatspark Karlsaue selbst etwas Artifizielles, ein einziges – und einzigartiges – “Kunst”-Werk.

Kilometerlange Wege- und Wasserachsen durchziehen den Park, auf das Orangerieschloss ausgerichtet. Nun fallen uns dort allgegenwärtig Absperrungen und Einzäunungen (wie hier links im Bild zu erkennen) auf – und es entstehen kleine Häuschen in verschiedenen architektonischen Formen und Ausstattungen.

Mit Beginn der documenta sollen Kunstwerke in die Häuschen einziehen, jeweils ein Künstler soll eines mit seinen Arbeiten bestücken. Wir sind gespannt.

Was ist das auf dem Wegekreuz vor dem Gebäudekomplex des Kasseler Staatstheaters? Verdächtig, sehr Kunstwerk-verdächtig! Oben lugen grüne Baumspitzen hervor, die festgezurrte weisse Bespannung erlaubt indes keinen Blick ins Innere, es sei denn, man legte sich flach auf den Boden und lunzte durch den unteren Spalt. Das wollten wir denn doch nicht tun.

Aber auf Giuseppe Penones Bronzebaum zurückkommen wollten wir:

Bereits am 21. Juni 2010 wurde die Skulptur, wie schon erwähnt, eingeweiht, am Tag der Sommersonnenwende also, “wenn die Sonne ihren höchsten Stand am Himmel erreicht”, wie documenta-Chefin Carolyn Christov-Bakargiev damals betonte. “Dieses Kunstwerk”, sagte sie, “feiert die Beziehung zwischen Natur und Kultur in unserer gegenwärtigen Welt aus einer ökologischen Perspektive”. Und Penone führte – wir zitieren aus der documenta-Pressemitteilung – aus:

“Das Ziel der Malerei ist es, mit dem Licht der Farbe zu bedecken. Das Ziel der Skulptur ist es, aufzudecken, ans Licht zu bringen … Wenn die Bedeutung des Malens das Bedecken ist und die Bedeutung der Skulptur das Entdecken, dann wird die Malerei durch die Schwerkraft charakterisiert und die Skulptur durch die Kraft, die der Schwerkraft entflieht, die Kraft des Lichts. Das Werk, das ich hier zeige, hat mit beiden Konzepten zu tun. Der Stein ist ein Mineral, und die stabilsten Farben gewinnt man aus Steinen. Der Stein verweist auf die Schwerkraft. Das Pflanzliche entzieht sich der Schwerkraft, es wächst in die Höhe, als direkte Folge des Sonnenlichts. Die Struktur der pflanzlichen Welt wird durch das Licht bestimmt, das das Gewicht der Zweige und Blätter anzieht. Bronzeguss braucht die Schwerkraft und nutzt die Struktur der pflanzlichen Welt, um die flüssige Bronze in der Gussform zu verteilen. Der Mittag des 21. Juni, jetzt, ist der beste und geeignetste Augenblick, um dieses Kunstwerk und seine Intentionen zu präsentieren.”

Giuseppe Penone, 1947 in Garessio geboren, ein Vertreter der arte povera, nahm bereits an der documenta 5, 7 und 8 teil. Die im Auepark aufgestellte Skulptur wurde schon in der 16. Sydney Biennale 2008 gezeigt, kuratiert ebenfalls von Carolyn Christov-Bakargiev.

Giuseppe Penone: Idee di Pietra (Detailansicht)

documenta 13 in Kassel vom 9. Juni bis 16. September 2012

Fotos: FeuilletonFrankfurt

→  documenta 13 in Kassel (1)
→  documenta 13 in Kassel (2)

Träger des bunten Palmwedels, © habust

Susanne Gaensheimer (Foto: Maruricio Guillén)

Im Grunde turnus- und somit erwartungsgemäss berief das Auswärtige Amt MMK-Direktorin Susanne Gaensheimer, Gewinnerin des Goldenen Löwen der letztjährigen Biennale, zur Kuratorin (Kommissiarin) des Deutschen Pavillons auch für die 55. Biennale Arte di Venezia im Jahr 2013.

Die Berufung zunächst für eine erste und später für die zweite “Amtszeit” entspricht in Deutschland einer – ungeschriebenen – Tradition. Wobei wie immer einige Ausnahmen die Regel bestätigen, etwa wenn Kommissare wegen anderer Aufgaben oder Umstände für ein zweites Mal nicht zur Verfügung stehen. Dies war beispielsweise bei Udo Kittelmann und Professor Jean-Christophe Ammann, zufälligerweise den beiden Vorgängern Gaensheimers im MMK, der Fall, während der frühere Städel Museum-Chef Professor Klaus Gallwitz hingegen sogar drei Mal hintereinander den Deutschen Pavillon in Venedig kuratierte (1976, 1978 und 1980). In der Nachkriegszeit hatte Professor Eberhard Hanfstaengl, zum Teil noch als Generaldirektor der Bayerischen Staatsgemäldesammlungen, diese Aufgabe fünf Mal in Folge (1948 bis 1958) versehen.

Gaensheimer hatte ihre Zustimmung zur Wiederberufung von einigen Verbesserungen für die kuratorische Arbeit in Venedig abhängig gemacht, unter anderem im Bereich des Sponsoring.

“Die erneute Berufung Susanne Gaensheimers zur Kuratorin des Deutschen Pavillons für die Kunstbiennale in Venedig 2013 ist eine persönliche Auszeichnung ihrer herausragenden Kompetenz, nachdem der Deutsche Pavillon unter ihrer Leitung im vergangenen Jahr ungeachtet des frühen Todes von Christoph Schlingensief ein so grosser Erfolg wurde”, erklärte der Frankfurter Kulturdezernent Professor Felix Semmelroth.

Erst kürzlich war Gaensheimers Vertrag mit der Stadt als Direktorin des MMK bis zum 31. Dezember 2018 verlängert worden, verbunden mit einer Option für eine weitere Verlängerung.

Eine persönliche Betrachtung
von Renate Feyerbacher

Nur noch wenige Tage, bis zum 13. Mai 2012, verbleibt die Ausstellung “Panorama” (Rundblick) in der Neuen Nationalgalerie Berlin. Der “RAF-Zyklus” ist in der Berliner Alten Nationalgalerie in zu sehen.

“Ein Bild kann uns helfen, etwas zu denken, was über dieses sinnlose Dasein hinausgeht. Das ist etwas, das die Kunst kann.” Gerhard Richter in einem Interview 2002.

Die Neue Nationalgalerie, dieser klare, lichtdurchflutete Bau des deutsch-amerikanischen Architekts Mies van der Rohe (1886 bis 1969), erscheint als idealer Ort für Richters Werke, so der erste Eindruck.

Aufsteller vor der Neuen Nationalgalerie

Anlass für diese Schau ist Gerhard Richters 80. Geburtstag.

Galeriedirektor Udo Kittelmann und Gerhard Richter, einen Tag nach dessem Geburtstag

Geboren wurde der Ausnahmekünstler, wie ihn Kaspar König nennt, am 9. Februar 1932 in Dresden. König kennt ihn gut. Der langjährige Rektor der Städelschule, der direkt nach seinem Amtsantritt 1987 Gerhard Richter als Professor nach Frankfurt am Main holte, der später als Direktor des Museum Ludwig nach Köln ging, wo Richter heute wohnt, kuratierte einige seiner Ausstellungen. König nennt ihn einen bekennenden Maler.

In den über fünfzig Jahren seines Wirkens auch als Zeichner, Bildhauer und Fotograf blieb er der Malerei immer treu.

Das ist das, was mich an dieser Präsentation, die ein halbes Jahrhundert seiner künstlerischen Produktionen zeigt, besonders fasziniert hat: seine Malerei.

Der Vorraum, in dem unter anderem die überdimensionalen Cage-Bilder von 2006 hängen, sollte zunächst durchschritten werden, um zu  “Ema – Akt auf einer Treppe” zu gelangen.

Ema (Akt auf einer Treppe), 1966, Öl auf Leinwand, 200 x 130 cm

Faszinierend ist die Feinheit dieses Aktes seiner ersten Frau, die er 1957 in Westdeutschland geheiratet hatte, die aber erst 1961 auf Umwegen dorthin übersiedelte. Er malte Marinne Eufinger (Ema) zwei Jahre nach seinem Studium an der Düsseldorfer Kunstakademie 1964. Einen ersten Studienabschluss hatte er bereits 1956 an der Dresdner Hochschule für Bildende Künste, wo er Wandmalerei studiert hatte, erworben. Nach Dresden kehrte er übrigens erst im Dezember 1986 zurück.

Marianne alias Ema ist die Mutter seiner ältesten Tochter Babette (Betty), die am 30. Dezember 1966 geboren wird. “Ema” ist ein Akt par exellence. Es zeigt die schwangere Frau. Seine Ästhetik, möglich durch die Unschärfe, hat etwas Archaisches in psychologischer Hinsicht. Das Bild ist von grosser Intimität, die zarten Farben ermöglichen sie.

Nur wenige Bilder nach rechts hängt die “Studentin” von 1967.

Studentin, 1967, Öl auf Leinwand, 105 x 95 cm

Welch ein Kontrast. Herb, lieblos, pornographisch hält uns die Studentin ihre Scheide hin. Es war eine Zeit, als Frauen glaubten, die Promiskuität gehöre zu ihrer Emanzipation. Daran dachte ich bei diesem malerisch ausgefallenen Bild.

Gerhard Richter ging aus künstlerischen Gründen in den Westen. Aber hier vermisste er die Freundschaften, die er im Osten hatte: “… mit Freunden ist hier nicht viel los. (Hinzu kommt, dass das hierzulande ohnehin nicht so gefragt ist, das hat allerlei Gründe, aber ich bin heute nicht ernst aufgelegt.) Auf jeden Fall, derart festliche freundschaftliche Begegnungen, wie wir sie kannten, kommen uns heute wie ein Traum, ein wunderbarer, vor. Es war schön mit Euch! – Ein Elend.” (Brief an Helmut Heinze vom 9. Dezember 1962, zitiert aus dem Ausstellungskatalog).

Zur Erinnerung: Am 13. August 1961 wird die Berliner Mauer gebaut.

Ferrari, 1964, Öl auf Leinwand, 145 x 200 cm, Ausstellungsansicht

“Ferrari” drückt die Oberflächlichkeit aus, die dieser westdeutschen Gesellschaft anhaftete und wieder stark anhaftet. Gier damals und heute.

In einem anderen Brief nannte er Marianne, seine Frau, den einzigen Menschen, der ihm blieb. Ein Jahr zuvor malte er “Tante Marianne”.

Tante Marianne, 1965, Öl auf Leinwand, 120 x 130 cm

Es gehört zu den Familienbildern. Das Fotoalbum war eines der wenigen Erinnerungsstücke, die er aus der DDR mitgenommen hat. Nie mehr sah er seine Eltern, seine gesamte Familie wieder. Das Foto von Richters schizophrener Tante mütterlicherseits, Marianne Schönfelder, die sterilisiert und 1945 Opfer der Euthanasie wurde, stammt sicher aus dem Album.

Richter wusste nicht, als er das Bild malte, dass sein Schwiegervater, Chefgynäkologe Heinrich Eufinger in der Dresdner Frauenklinik Friedrichstadt, für ihren Tod verantwortlich war (Quelle Katalag – Anmerkung: Jürgen Schreiber, Ein Maler aus Deutschland: Gerhard Richter – das Drama einer Familie, München 2005 passim).

“Tante Marianne” stimmt auch ohne dieses Wissen sehr nachdenklich. Die Verwischungen macht Richter ganz bewusst, um so etwas Verbindendes zu erreichen. Die feinen Linien, die verbinden, wollen vielleicht sagen, ich gehöre dazu. Die Wischeffekte auf diesen fotografischen Abmalungen: drücken sie geheime Wünsche aus, Vorstellungen, Träumereien, Hoffnungen?

Mit Fotoabmalungen und Übermalungen hatte Richter im Westen begonnen, liess sich aber von dem Mainstream Fotografie nicht vereinnahmen.

Zeitlebens sind für Gerhard Richter Familie, die er oft malt, und Freundschaften wichtig. Ohne dieses Wissen ist sein Werk nicht zu deuten.

Betty, 1988, Öl auf Leinwand, 102 x 72 cm

Babette, genannt Betty, hat er 1977 liegend gemalt und 1988. Warum hat er sie von hinten gemalt? Sie wendet sich vom  malenden Vater und dem Betrachter ab. Sie ist damals 22 Jahre alt. Protest, Loslösung vom Elternhaus oder ganz andere Intentionen des Malers und der Tochter? Die Feinheit des Pinselstrichs bei den Haaren und dem Blumenmuster auf der Weste erinnert mich an niederländische Meister.

Lesende, 1994, Öl auf Leinwand, 72 x 102 cm

Die Malerin Sabine Moritz (*1969) ist seine dritte Frau, die Heirat war 1995. Kurze Zeit zuvor hatte er sich von der Künstlerin Isa Genzken (*1948)  getrennt, die er 1982 geheiratet hatte. Mit Sabine, die er als letzte Studentin an der Düsseldorfer Kunstakademie in seine Klasse aufnahm, hat er drei Kinder. In seinen Selbstbildnissen verwischt der Künstler, der ein alter, für den jüngsten Sohn (* 2006) ein sehr alter Vater ist, das Portrait. Bei einem anderen senkt er den Kopf. Soll sein wahres Alter nicht erkannt werden?

Richters Bild “Lesende” ist eine Huldigung an eine schöne Frau und ans Lesen, dieses wichtige, prägende Ritual. Fein ist das Licht, das den Text, aber auch die junge Frau und ihren Nacken, ihre Haare erhellt. Wunderschön sind die feinen Lichtabstufungen, Schattierungen. Ein Meisterwerk, das grosse Ruhe und Insichgekehrtheit ausstrahlt.

Es erinnert an Jan Vermeers (1632 bis 1675) “Briefleserin”.

Richter ehrt in seinen Gemälden die alten Meister. Frühe Landschaftsbilder erinnern an Kaspar David Friedrich. Richter wurde Flucht in die schönen Künste vorgeworfen. Wie dem auch sei: 1973 malte er “Verkündigung nach Tizian”, und es fasziniert. Es hat Eigenständigkeit, löst sich los von Tizians Vorbild.

Verkündigung nach Tizian, 1973, Öl auf Leinwand, 125 x 200 cm

Die Ikonographie ist nahezu gleichbleibend: der schwebende Engel, die knieende Maria, die Hintergrund-Architektur, aber nur alles verschwommen wie eine unscharfe Fotografie. Dennoch: Es gibt vor allem farbliche Veränderungen. Was hat den “gläubigen Atheisten” zu diesem Bild bewegt? Das kann auch gefragt werden bei seinem Kirchenfenster im Kölner Dom, das er 2007 vollendete.

Ende der sechziger Jahre waren Stadtbilder ein Thema.

Stadtbild Paris, 1968, Öl auf Leinwand, 200 x 200 cm, Ausstellungsansicht

Mit Pinsel verschiedener Breite malte er Paris. Weiss und Grau verschwimmen.  Grau in grau, wie zerstört, wie Bilder aus dem Krieg erscheinen sie, wie bombadierte Städte. Nichts hat mehr mit korrekter Wiedergabe zu tun. Ich denke an Kokoschka und lese, dass er 1985 den gleichnamigen Preis erhielt.

In einem Gespräch 2006 äussert er, dass die Städte verbombt aussehen. Die Bombadierung Dresdens hat er als Kind miterlebt. Aber warum malt er Paris so? Hat er eine Zukunftsvision? Dachte oder denkt er an die mögliche atomare Auslöschung?

Wenig später beginnt er mit den Wolkenbildern, den Seestücken.

Seestück (See – See). 1970, Öl auf Leinwand, 200 x 200 cm, Ausstellungsansicht

Bedrohlich, schmutzig sind Wolken und See. Unglaublich wirken die differenzierten Schattierungen der grauen Farbe. Nichts Romantisches, nichts Himmlisches bietet sich. Die Städte, die Landschaften und zwangsläufig die Menschen sind beschädigt. Diese Botschaft höre und sehe ich aus diesen Bildern.

Lange – nah und fern vom Bild – habe ich verweilt, um die grossartige Malweise, die sich rollenden Wellen, in mich aufzunehmen. Alles tobt.

Ein Jahrzehnt später beginnt er mit seinen Spiegelwänden. Spiegel wurden zuerst als “szenografisches Mittel” in einer Gemeinschaftsausstellung mit Georg Baselitz eingesetzt. Glasscheiben und Spiegel wurden später für ihn zu einem bedeutenden Teil seines Werkes. Der Spiegel, so sagte er in einem Interview 2008, ist “das einzige Bild, das immer anders aussieht. Und vielleicht auch ein Hinweis darauf, das jedes Bild ein Spiegel ist”.

Grausam und faszinierend ist Richters Werk “September” von 2005, das die Terroranschläge auf das World Trade Center vom 11. September 2001 darstellt.

Lange hat er über eine Darstellung nachgedacht, die er nicht als Happening wollte. Viele Zeichnungen hat er vorher gefertigt. Ein unwirklich-wirkliches Bild ist entstanden. Nichts Konkretes ist zu sehen. Die Flugzeuge sind nur als Pinselwischer wahrzunehmen.

Cage (3, 5, 6), 2006, Öl auf Leinwand, je 300 x 300 cm, Ausstellungsansicht

Zuletzt noch ein Blick auf die 3 mal 3 Meter grossen abstrakten Cage-Bilder. Richter schätzte den Komponisten John Cage (1912 bis 1992). Wer dessen Musik kennt, nimmt die Töne in diesen Bildern wahr.

Gerhard Richter, Panorama, Neue Nationalgalerie Berlin, bis 13. Mai 2012

(Werke © Gerhard Richter; Fotos: Renate Feyerbacher)

Von Brigitta Amalia Gonser
Kunstwissenschaftlerin

Holger Herrmann verknüpft in seinem Œuvre Kunst und Leben, verschränkt Texte und Textfragmente mit Bildern und findet stets neue gestalterische Möglichkeiten in der Graphik und in der Malerei, in der Abstraktion ebenso wie in der Figuration.

Prägend war für den Frankfurter Künstler in den 1970er Jahren an der Hochschule für Bildende Künste in Hamburg der viel diskutierte “erweiterte Werkbegriff” von Franz Erhard Walther, der den Menschen in das Werk einbezieht und damit den menschlichen Körper zum existentiellen Bestandteil eines Werkes macht..

So findet Holger Herrmann immer wieder zur Figur, dem menschlichen, männlichen Körper zurück. Wie eine Ikone ist er für ihn Abbild und Sinnbild zugleich. Seine Gestalten bilden gleichsam die Basis seiner graphischen und malerischen Feldforschungen.

o. T., 2006, Holzdruck, 3-farbig, 130 x 97 cm

Schon in seinen frühen abstrakten Lithographien zeigte sich, laut Birgit Möckel, seine Fähigkeit, zeichenhafte Chiffren mit ebenso spontaner wie kontrollierter Gestik zu entwerfen. Es folgten malerische Kompositionen, in denen er collagenhaft mit farbigen Flächen und flächigen Linien Bewegung suggerierte. Dies ist bis heute ein Charakteristikum seines Schaffens.

“Während ich arbeite … bin ich mehr Aktion als ein reflektierender Mensch” , erläutert Holger Herrmann den Entstehungsprozess seiner Arbeiten.

Immer entwickeln sich die Linien und Farbstrukturen aus einem spontanen Handlungsablauf. So verbindet er Intuition und Emotion mit Abstraktion oder Figuration.

Der Künstler hat es nie aufgegeben, gegen die Zeit zu arbeiten. Daher auch der Titel der Ausstellung in der Galerie Das Bilderhaus: “Tempo, Tempo …”

Dabei sieht er den Begriff “Tempo” als Synonym für Reihe, für Serie, für Zeit , für Geschwindigkeit, aber auch für Reflexion.

Er hat für die Räumlichkeiten der Galerie eine spannende Gegenüberstellung zweier grosser figurativer, farbiger Holzdrucke zu den abstrahierten, DIN A4-formatigen, schwarz-weissen Kaltnadelradierungen konzipiert – und das mit Erfolg.

Farbe wirkt bei ihm durchaus auch dramatisch, flüchtig.

Gerhard König meint, “dass die nahezu verblassten Porträts, die wie ein vernebeltes Spiegelbild im dunklen Wasser eine merkwürdige Aura um sich verbreiten, einen erstickten Appell an den Betrachter richten würden: hier bin Ich, eine Gestalt, ein Mensch, auch wenn ich mich zu verflüchtigen beginne”.

2001 schuf Holger Herrmann eine Serie von Holzdrucken, denen er den Titel “Obsession” gab und die ihn bis heute nicht loslassen. Die Figurenkonstellation hat er oft variiert.

o. T., 2006, Holzdruck, 2-farbig, 130 x 97 cm

Zu sehen sind zwei gespiegelte Gestalten, von denen eine die andere aus der Bildfläche zu führen, zu drängen, zu stossen scheint. Dazwischen schiebt sich nicht selten ein dunkler Schatten.

Dieses Motiv führte Holger Herrmann 2006 in seiner Ausstellung “Défilé. Vom Schimmern gedruckter und nicht bedruckter Oberflächen” im Kunstforum Mainturm in Flörsheim in den für diese Räume neu konzipierten und grossenteils eigens gedruckten farbigen Holzdrucken weiter.

Einmal sind die Protagonisten dieses Défilés auf den ersten Blick auszumachen, dann wieder schwer erkennbar, miteinander verwoben, fasrig, zerlöchert, blosse in Holz geschnittene Struktur, gedruckt auf Chinapapier.

Zu dieser Serie gehören auch die jetzt in der Galerie Das Bilderhaus präsentierten grossformatiger farbigen Holzschnitte.

Défilé, 2006, Holzdruck, 7-farbig, 130 x 97 cm

Man sieht eine Figur, einen Schatten, einen Teil einer Figur, Zwischenräume, aber auch Farben, geometrische Flächen, Oberflächen und sie umgebende Leerräume.

Die Kompositionen zeigen Schwarzweiss und Farbe auf Papier in sensiblem Nuancenreichtum und wirken ausgesprochen malerisch. Es sind zwei- bis siebenfarbige Handabzüge auf Chinapapier, Unikate.

Sie entstehen durch Überlagerung , das heisst durch mehrere farbige, übereinander gedruckte Platten. Auch wenn mancher Druckstock öfters verwendet wird , fallen die Abzüge immer unterschiedlich aus: mal in satt glänzenden Farben, mal nur als Spuren des im hölzernen Druckstock erhabenen Motivs .

Die repräsentative Auswahl von schwarz-weissen Kaltnadelradierungen aus der Reihe “Jan.– April 1998″, auch schon mal “Regenrinne” genannt, haben ein kleineres Format infolge der unregelmässigen Zinkplatten von ca. 20 x 17 cm und kleiner.

Bei dem Tiefdruckverfahren der Kaltnadelradierung arbeitet Holger Herrmann ohne Ätzen, “trocken” und “kalt”, also ohne den chemischen Erwärmungsprozess des Ätzens. Die Zeichnung wird unter Kraftaufwand mit einer Nadel aus härtestem Stahl in die ungrundierte Druckplatte aus Zink eingeritzt.

o. T., 1998, Kaltnadelradierung

Diese Technik vermittelt direkt den Duktus und die Expression des Künstlers. Alle Flächen bestehen aus einer Konzentration von vielen Linien.

o. T., 1998, Kaltnadelradierung

Die Stahlnadel wird so geführt, dass sie entweder feinste Linien ritzt, oder schräg gehalten einen Grat aufwirft, an dem beim Einreiben der Druckfarbe sehr viel Farbe anhaftet. Auf dem Abzug zeigt sich dann der Strich als erhöhte Farbablagerung, der Grat als feiner Einschnitt mit samttoniger Verschattung. Dadurch entsteht eine malerische Wirkung. Sie ist das Erkennungsmerkmal gegenüber dem geätzten Strich der Radierung.

o. T., 1998, Kaltnadelradierung

Bemerkenswert ist auch der Reichtum der Tonabstufungen, feiner Grauwerte und gesättigter, samtiger Tiefen, sowie der wechselnde Übergang vom Grafischen zum Malerischen.

o. T., 1998, Kaltnadelradierung

Die Linien werden zu selbständigen Gebilden im Raum. Die Überzeichnung ist keine Überzeichnung der Figur, sondern die Modulation deren Körperlichkeit und Kraft, die ausserhalb und zwischen ihren Umrissen stattfindet.

o. T., 1998, Kaltnadelradierung

Von Variante zu Variante verändert sich die Bildwirkung. Doch sie ist immer geheimnisvoll. Holger Herrmann beschränkt sich nicht auf das einzelne Werk, sondern erweitert es zur Serie. So entstehen modulare und serielle Ordnungen in tonaler und formaler Rhythmisierung. Dabei vollzieht sich der Entstehungsprozess der Werke in einem dialogischen Wechsel zwischen Intuition und Reflexion.

Holger Hermann lebt und arbeitet in Frankfurt am Main.

1942 in Mainz geboren, absolvierte er, nach seinem Studium der Kunstgeschichte in Mainz, die Staatliche Hochschule für Bildende Künste, Städelschule, in Frankfurt am Main, und studierte noch zwei Jahre an der Staatlichen Hochschule für Bildende Künste in Hamburg. Er begründete die Artothek Frankfurt am Main, die er von 1986 bis 1988 leitete. Von 2000 bis 2010 hatte er Lehraufträge im Fachbereich Kunst an der Johann Wolfgang Goethe-Universität Frankfurt am Main und an der Akademie für Bildende Künste der Johannes Gutenberg-Universität Mainz inne.

Galerien in Frankfurt am Main, Darmstadt, Wiesbaden, Flörsheim, Marburg, Düsseldorf, Nancy und Exeter haben sein malerisches und grafisches Werk seit den 1970er Jahren bis heute kontinuierlich ausgestellt. Viele seiner Arbeiten befinden sich in privaten Sammlungen, aber auch in Hessischen Ministerien und Institutionen oder im Klingspor Museum in Offenbach und im Museum in Chemnitz.

Holger Herrmann, “Tempo, Tempo …”, Galerie DAS BILDERHAUS, bis 2.6.2012;
Werkstattgespräch mit Holger Herrmann in der Galerie am 10. Mai 2012, 18 Uhr

(Werke und Fotografien: © Holger Hermann)

Vor der Kasseler Neuen Galerie: Helmut Brinckmann, Termitenstrauch, 1969

Beginnen wir bei der Vorstellung der documenta-Ausstellungsstätten in Kassel mit der Neuen Galerie und zugleich – dieser kleine Exkurs sei erlaubt – mit einer Hommage an den Bildhauer Helmut Brinckmann zu dessem 100. Geburtstag. 1912 in Berlin geboren, erlernte er den Beruf des Stahlgraveurs und besuchte die dortige vormalige Kunstgewerbeschule und nachfolgende Akademie. Brinckmanns Arbeiten wurden von den Nationalsozialisten verfemt; der Künstler wurde in den Kriegsdienst verpflichtet und gelangte, nach Verlust eines Auges, zunächst nach Oberbayern und anschliessend nach Darmstadt. 1950 wurde er mit seiner Frau, der Malerin Ute Brinckmann-Schmolling, Mitglied der Neuen Darmstädter Sezession. Brinckmann war nicht allein ein bekannter Künstler, sondern auch langjähriger Geschäftsführer eines hessischen Fonds zur Finanzierung von Kunstwerken an öffentlichen Neubauten. Künstlerische Qualität statt Dekoration lautete dabei sein oberster Grundsatz. Brinckmann verstarb 1994 und hinterliess zahlreiche Arbeiten in Parkanlagen und im Umfeld öffentlicher Gebäude.

Die Kasseler Neue Galerie wurde in den Jahren 1871 bis 1874 an der “Schönen Aussicht”, damals Bellevue genannt, als Gemäldegalerie erbaut und nach Kriegszerstörungen wiedererrichtet. In ihrer unmittelbaren Nachbarschaft steht der Monopteros des Architekten und kurhessischen Hofbaumeisters Daniel Engelhard (1788 bis 1856) aus dem Jahr 1815. Landgraf Wilhelm IX. von Hessen, seit 1803 als Wilhelm I. Kurfürst von Hessen (1743 bis 1821), Erbauer des Schlosses Wilhelmshöhe, soll ihn als “Frühstückstempel” genutzt haben.

Monopteros und Neue Galerie

Orangerie mit Marmorbad (links) und Küchenpavillon (rechts) in der Karlsaue

Landgraf Karl von Hessen-Kassel (1654 bis 1730) liess die barocke Schlossanlage der Orangerie in den Jahren 1703 bis 1711 am Rande der Karlsaue vermutlich von Hofbaumeister Johann Conrad Giesler errichten. Zwei Eckpavillons (1722 und 1765 erbaut) flankieren das 140 Meter lange Hauptgebäude, das auf die Hauptachse des Aueparks zentriert ist. Jérôme Bonaparte, von Napoleon als Herrscher des Königreichs Westfalen mit der Hauptstadt Kassel eingesetzt, berief 1808 in der Orangerie die Landesstände ein. Im zweiten Weltkrieg stark zerstört, wurde das Schloss für die Bundesgartenschau und die erste documenta 1955 als Ausstellungsort provisorisch wiederhergerichtet und später – in den 1970er Jahren – aussen weitgehend restauriert.

Heute Sitz des Astronomisch-Physikalischen Kabinetts mit Planetarium, finden in der Orangerie auch Aktivitäten der documenta statt.

Museum Fridericianum (rechts im Hintergrund das Ottoneum)

Das Fridericianum wurde unter Landgraf Friedrich II. in den Jahre 1769 bis 1779 von Simon Louis du Ry als eines der ersten Museumsgebäuden Europas und als eines der ersten rein klassizistischen Gebäuden Deutschlands für die öffentliche Ausstellung der landgräflichen Kunstsammlungen errichtet. Im Königreich Westphalen mit der Hauptstadt Kassel diente es drei Jahre lang als Ständepalast mit Parlamentssaal. Heute als Sitz des Kasseler Kunstvereins eine Ausstellungshalle für zeitgenössische Kunst, ist es seit der documenta 1 des Jahres 1955 ständige temporäre Ausstellungsstätte dieser Weltschau.

↑  Eingang zur documenta-Halle

↓  documenta-Halle, nebenan Montagearbeiten an “Rahmenbau” der Architekten-Künstlergemeinschaft Haus Rucker & Co., errichtet zur documenta 6 im Jahr 1977

Zur documenta 9 des Jahres 1992 wurde neben dem Hessischen Staatstheater Kassel am Rand der Karlsaue die documenta-Halle als multifunktional nutzbare Ausstellungshalle mit 1.400 m² Ausstellungsfläche von den Architekten Jourdan und Müller mit Seiten- und Oberlicht-Hallen sowie Kabinetten errichtet.

Weitere Ausstellungsorte sind unter anderem das Ottoneum, das Ständehaus, das Hugenottenhaus, das Hotel Hessenland, das ehemalige Kino “Gloria”, einige industrielle Bauten sowie Freiflächen und die Parkanlage Karlsaue.

(Fotos: FeuilletonFrankfurt)

→  documenta 13 in Kassel (1)
→  documenta 13 in Kassel (3)

Es geht um eine Diskussionsveranstaltung des Frankfurter Kulturamts gemeinsam mit der Initiative “Rossmarkt hoch 3″ am Freitag abend, 4. Mai 2012.

Wir zitieren ausnahmsweise die entsprechende Pressemeldung der Stadt Frankfurt am Main nebst Einladung:

“Rossmarkt hoch 3″ und das Kulturamt der Stadt Frankfurt wollen dazu anregen, das Kunstprojekt im Kulturleben der Stadt hervorzuheben und eine Diskussion um das Fortbestehen von “Rossmarkt hoch drei” anzuregen. Sie laden für Freitag, 4. Mai, 19 Uhr zur Diskussionsrunde in den Hermann Josef Abs-Saal der Deutschen Bank, Junghofstrasse 11. Der Titel: “Kunst im öffentlichen Raum, Bürgerpartizipation und der Rossmarkt”.

Das 2010 gegründete Skulpturprojekt zur künstlerischen Gestaltung des Rossmarktes ist als Gegenpol zu den kommerziellen Veranstaltungen gedacht, die den Platz die Hälfte des Jahres belegen. Der Rossmarkt, ein traditionsreicher Frankfurter Platz mitten in der Innenstadt, soll sich auch als Bühne für die Kunst und Kultur etablieren. Dabei sollen die Impulse aus der Stadtgesellschaft selbst kommen. Jedes Jahr wird eine Gruppe von Bürgern auserkoren, einen Künstler auszuwählen und mit einem Kunstwerk zu beauftragen. Das Projekt soll zunächst für drei Jahre fortlaufen.

Es diskutieren Felix Semmelroth (Kulturdezernent), Peter Iden (Kritiker), Holger Hagge (Architekt, Deutsche Bank AG), Antje Grell (Evangelischer Regionalverband Frankfurt), Karin Heyl (Crespo Foundation), Katja Assmann (Kultur Ruhr GmbH/Leiterin Künste im Urbanen Raum), Heike Hambrock (Leiterin des Kulturausschusses der Stadt Frankfurt), “Rossmarkt hoch 3″-Künstler 2012, Matthias Göritz (Schriftsteller) und Johanna Giers (Abiturientin der Wöhlerschule, “Rossmarkt hoch drei”-Jury 2011). Es moderieren Matthias Alexander (Frankfurt Allgemeine Zeitung) und Juliane von Herz (Initiatorin “Rossmarkt hoch drei”).

So gut, so schön – was den Termin anlangt jedoch besser: so schlecht.

Warum es ausgerechnet der Freitag abend sein muss, an welchem in der Stadt im Rahmen einer abgestimmten Aktion nicht weniger als 14 Galerien ihre neuen Ausstellungen eröffnen, ist schwer erschliessbar. Gleiches gilt – man könnte sagen erst recht – im Blick auf die Eröffnung des zweiten Ausstellungsblocks von ATELIERFRANKFURT, ebenfalls am Abend dieses 4. Mai, zumal wenn man bedenkt, dass eben jenes ATELIERFRANKFURT eines der wichtigsten Foren zur Ausstellung junger künstlerischer Positionen im Rhein-Main-Gebiet ist. Menschen, die diese Eröffnung wahrnehmen wollen (wie auch zumindest einige der anderen Vernissagen) werden nicht zur Diskussionsveranstaltung kommen können. Das ist sehr schade, handelt es sich bei den Ausstellungsbesuchern doch vielfach um die gleiche Zielgruppe kunstinteressierter Bürgerinnen und Bürger dieser Stadt, die sich gerade auch von der Einladung zur Diskussionsveranstaltung angesprochen fühlt.

FeuilletonFrankfurt hat in zwei Beiträgen – mit einigem Zorn wie auch mit ein klein wenig Optimismus – zum hausgemachten Problem Rossmarkt Stellung genommen, auf die hier als Diskussionsbeiträge verwiesen werden muss. Denn wir müssen den Vernissagen den Vorrang einräumen:

→  Basaltgraue Verschandelung in Frankfurt am Main

→  Tamara Grcic: “outside-here” auf dem Frankfurter Rossmarkt

von Renate Feyerbacher

Fotos: Renate Feyerbacher
Filmstills: goEast

Zum zwölften Mal versammelten sich vom 18. bis 24. April 2012 unter dem Titel “goEast” erfolgreiche Filmemacherinnen und Filmemacher sowie Nachwuchstalente aus vielen Ländern Mittel- und Osteuropas in Wiesbaden. Einige kamen auch nach Frankfurt. Die Schirmherrschaft von goEast hatte der langjährige Frankfurter Kulturdezernent und Filmspezialist Professor Hilmar Hoffmann inne.

Hilmar Hoffmann am 11. 8. 2011 im Museum des Deutschen Filminstituts Frankfurt am Main

Zehn Spielfilme und sechs Dokumentarfilme bewarben sich in diesem Jahr um die vier Hauptpreise: “Die Goldene Lilie” (gestiftet von Skoda Auto Deutschland) für den besten  Spielfilm, den Dokumentarfilmpreis “Erinnerung und Zukunft”, den Preis der Landeshauptstadt Wiesbaden für die “beste Regie” sowie den Preis des Auswärtigen Amts “für künstlerische Originalität, die kulturelle Vielfalt schafft”. Die Internationale Vereinigung von Filmkritikern- und Filmjournalisten FIPRESCI, mit eigener Jury vertreten, verlieh den “Preis der internationalen Filmkritik”.

Robert Bosch-Preisverleihung mit Moderatorin Cécile Schortmann (3Sat-”Kulturzeit” und hr “Hauptsache Kultur”)

Damit nicht genug. Zum sechsten Mal übergab die Robert Bosch-Stiftung ihren Förderpreis für Koproduktionen in den Bereichen Animations-, Dokumentar- und Kurzspielfilm. Er ist einer der höchstdotierten Auszeichnungen für Projekte von Nachwuchsfilmerinnen und -filmern. Es gab den Förderpreis der BHF-Bank-Stiftung  für den besten Beitrag einer osteuropäischen Hochschule und den Publikumspreis des goEast-Hochschul-Wettbewerbs in den drei Kategorien Dokumentarfilm, Animations- und Experimentalfilm sowie Kurzspielfilm. Ein georgischer Dokumentarfilm konnte sich über eine “Lobende Erwähnung” freuen.

Alle Preisträger

Der grosse Gewinnerfilm war “Zhit” (Leben) des russischen Regisseurs Vasiliy Sigarev (*1977). Er gewann “Die Goldene Lilie” und den  FIPRESCI-Preis, den internationalen Preis der Filmkritik.

Es ist sein zweiter Film. Sein Erstlingswerk “Wolfy”, die Geschichte einer gestörten Beziehung zwischen einer Mutter und ihrer kleinen Tochter, wurde mehrfach ausgezeichnet. Yana Troyanova, die auch in “Zhit” eine Hauptrolle spielt, wurde 2009 für ihre Darstellung der Mutter in “Wolfy” zur besten Schauspielerin gekürt. Ein deprimierender Film.

Vasiliy Sigarev und Yana Troyanova am 24. 4. 2012

Auch “Zhit” ist ein deprimierender Film, der sich mit dem Tod auseinandersetzt. Es sind die Bilder der Todesumstände, die keine Tröstung zulassen.

Drei Geschichten, die Regisseur Vasiliy Sigarev verbindet, werden erzählt: Da ist einmal das junge, frisch vermählte Paar, Grishka und Anton, das Opfer eines brutalen Überfalls im Zug wird. Der junge Ehemann stirbt. Da ist Galya, die in Alkohol versank, als ihr Mann starb. Die kleinen Töchter, die ihr genommen wurden, sollen wieder, als sie dem Alkohol entsagt hat, in ihre Obhut zurückkehren. Aber auch sie verliert sie. Der kleine Junge Artyom sehnt sich nach seinem Vater, aber die hartherzige Mutter verweigert ihm das.

Der Filmemacher legt gleich zu Beginn Verbindungsfäden, aber dennoch ist eine gewisse Zeit nötig, um ihnen zu folgen. Geschuldet ist das natürlich auch der russischen Sprache und der englischen Untertitel, die schnell gelesen werden müssen. Auch die Perspektivwechsel sind manchmal schwer nachzuvollziehen.

Filmstill aus “Zhit”

Grishka, die Frischvermählte und bereits Witwe, und Galya, die Mutter, erschaffen sich tröstende Traumbilder in der Hoffnung, dass die geliebten Toten wiederkehren. Immer wieder schauen die Protagonisten aus dem Fenster. Sie gehen weite Wege durch die verschneite Natur, die Einstellungen dauern lang. Menschenleere. Trostlos sind die Wohnungen.

Erschreckend ist die Gefühlskälte der Mitmenschen: zum Beispiel als Grishka verzweifelt durch den Zug rennt, um Hilfe für den brutal zusammengeschlagenen Ehemann zu finden, oder Trost beim Popen sucht. “Was nützt Liebe, wenn sie einem doch nur wieder genommen wird”, fragt sie. Auch die Beamtin, die Galyas Wohnung inspiziert und sie keines Blickes würdigt, noch mit ihr redet bei der “Bestandsaufnahme” mit Fotoapparat. Der Lauf Galyas hinter den Beamtinnen in Eiseskälte, der Verlust ihres Mantels, ihr verzweifeltes Rufen, um zu erfahren, was mit den Kindern geschehen ist, und Galyas von Schmerz erstarrtes Gesicht nach der Beerdigung sind starke, an die Substanz gehende Momente. Zu Beginn und zum Ende des Films stehen übergross in kyrillischer Schrift die Buchstaben des Wortes Leben. Hoffnungsvoll ist es keineswegs. Dennoch ein würdiger Preisträger.

Regisseur Konstantin Bojanov vor dem Frankfurter Filmmuseum am 21. 4. 2012

Für sein Roadmovie “Avé” erhielt der bulgarische Filmemacher Konstantin Bojanov (*1968) den Preis der Landeshauptstadt Wiesbaden für die beste Regie. Dieser Film, der bereits auf der “Semaine de la critique” in Cannes erfolgreich war, kommt leicht daher, hat aber tiefe Bedeutung. Bojanov, der bei der Preisverleihung in Wiesbaden nicht dabei war, weil er nach Paris musste, hat zunächst Bildhauerei und Filmwissenschaft in Sofia studiert, erhielt ein Stipendium für das Royal College of Art in London und wechselte dann zur New York University, wo er ein Studium der Dokumentarfilmregie begann. Einen Namen machte er sich zuerst als bildender Künstler durch viele Ausstellungen. 2001 debütierte er mit einem Kurzfilm und nun mit “Avé”, dem ersten Langspielfilm.

Filmstill aus “Avé”

Avé trifft Kamen, der ins nordbulgarische Ruse trampen will, am Strassenrand. Wortlos schliesst sich die 17jährige ihm an. Avé erzählt den unbekannten Autofahrern, die sie mitnehmen, unglaubliche Geschichten auch über Kamen. Es kommt zu heiklen Situationen, die Kamen satt hat, worauf sie türmt. Zufällig treffen sich die Beiden in Ruse wieder. Das, was Avé über sich erzählt, ist es Wahrheit oder Lüge?

Kamen, der herb wirkende junge Mann, will zur Beerdigung eines Freundes, der sich das Leben nahm, und Avé angeblich zu ihrer Grossmutter. Dabei sucht das Mädchen aus gutem Haus ihren drogenabhängigen Bruder. Avé und Kamen kommen sich näher, eine Liebesbeziehung scheint sich anzubahnen. Wie begonnen, so zerronnen: Avé taucht zu Beginn des Films wie aus dem Nichts auf und verschwindet allein, mitgenommen von einem unbekannten Autofahrer. Das Ende bleibt offen. Ist die Lüge ein Akt der Selbstbehauptung, der Selbstfindung in der Pubertät, Notwendigkeit, Schutz? An einer Stelle des Films, wenn Avé Kamen in die trauernde Familie des Freundes begleitet und sie sich als ehemalige Freundin des Verstorbenen ausgibt. Da ist die Lüge wie Balsam für die betroffene Familie.

Liebe, Vergänglichkeit und Tod sind die Themen, über die Bojanov oft mit feinem Humor reden lässt. Als Lkw-Fahrer, der die Beiden mitnimmt, begeistert der deutsche Schauspieler Martin Brambach durch ein kurzes schauspielerisches Kabinettstück.

Filmproduzent Sergey Azimov

Der Film “Ray Dlya Mamy” (Für Mutter der Himmel) aus Kasachstan erhielt den Preis des Auswärtigen Amtes, den der Filmproduzent Sergey Azimov entgegennahm. Erzählt wird die Geschichte von zwei Kindern, ungleichen Brüdern, deren Leben aus den Fugen gerät. Trostlos ist die Siedlung, die Landschaft irgendwo in Kasachstan, trostlos ist die Situation der Familie. Mutter Polina spricht kaum mit den Kindern, noch über sich. Schon lange hat der Vater diese Situation hinter sich gelassen, um in Russland zu arbeiten. Er kehrte nie zurück. Polina leidet still. Der Grossvater verkauft hin und wieder Gegenstände, um die leere Haushaltskasse aufzubessern, und Polina verkauft sich. Als die Kinder das herausfinden, nimmt sich Polina das Leben.

Filmstill aus “Für Mutter der Himmel”

Ein teils rührseliger Film, der durch das Spiel der beiden Jungen seinen Wert erhält. Die Totenwaschung der Mutter, ebenso die Beerdigung, genauer der Fortgang der Trauernden vom Friedhof, den die Kamera von oben aufnimmt und dabei die Schattenspiele einfängt, sind eindrucksvolle Szenen. Die Kameraführung, die auch besondere Aufmerksamkeit der trostlosen Landschaft mit ihren Bahngleisen widmet, ist ausgefallen. Gibt es einen Himmel? Der Grossvater verneint es. Serekbay, der grössere Enkel, stimmt mit ihm überein. Die Grossmutter ist anderer Meinung. Für sie gibt es den Himmel. Ein Trost für den kleinen Amir, der für Mutter den Himmel wünscht.

Regisseur Igor Voloshin

Deutschlandpremiere hatte in Wiesbaden “Beduin” (Beduine) des in der Ukraine geborenen, russischen Regisseurs Igor Voloshin. Er wurde beim Belgrader Filmfestival im März mit dem grossen Preis ausgezeichnet.

“In Sorge um dich zu sein, ist mein Leben.” Das sind die Worte einer Mutter, die ihren Körper als Leihmutter verkauft, um die Behandlung ihrer an Leukämie erkrankten Tochter bezahlen zu können, die aussichtsreich zu sein scheint. Nur über Mobiltelefon, über Webcam und Internet hat sie Kontakt mit ihr. Ihre Tochter brauche sie, hört Rita immer wieder vom Arzt. Die Leihmutterschaft verhindert das, weil der Auftraggeber sie in der Nähe wissen will. Plötzlich sieht sich Rita in ein Verbrechen verwickelt, gegen das sie sich stemmt.

Filmstill aus “Beduin”

Der Gesundheitszustand der Tochter verschlimmert sich. Von einem Taxifahrer, einem Beduinen, hört sie von den alternativen Heilmethoden des Wüstenvolkes. Sie glaubt daran, holt die Tochter aus der Klinik und fliegt mit ihr nach Jordanien, wo sie stirbt. Rita bringt das Leih-Kind zur Welt.

Harte Fakten, rauhe Bilder werden in diesem modernen Märchen präsentiert: ohne Geld bist du verloren, ohne Nähe wirst du sterben. Der physisch-psychische Konflikt der Mutter löst sich schliesslich, als sie sich ganz der Tochter widmet, die sterben wird. Über weite Strecken ist der Film sehr spannungsgeladen und mündet in ein harmonisches, versöhnliches Ende. Diese Gegenüberstellung macht die Stärke des Films aus.

Zulifar Musakov

In Usbekistan hätten viele Menschen den Film “Churgoschin” (Blei) gesehen. Dort werde erregt diskutiert, berichtete der usbekische Regisseur Zulifar Musakov (*1958), der zunächst in Taschkent, dann in Moskau studierte, nach der Aufführung im Kino des Deutschen Filmmuseums in Frankfurt. Er mache keine Filme für Festivals, sondern für Usbeken. Usbekistan hat etwa 30 Millionen Einwohner und erhielt 1991 seine Unabhängigkeit. Bis dahin war es Teil der Sowjetunion. 1930 liess Josef Stalin (1878 bis 1953) die einheimische Parteiführung eliminieren. Nach dem Krieg kam es überall in der UDSSR, auch in Usbekistan, erneut zu stalinistischen Säuberungen.

Filmstill aus “Churgoschin”

Musakovs Film spielt in Taschkent in den Jahren 1952/1953. Die alten Kameraden Kadirov und Marlin, die zusammen in der Roten Armee kämpften, treffen sich zufällig wieder. Der Russe Marlin ist Polizeichef geworden, der Usbeke Kadirov, ein Ingenieur und anders als seine Landsleute ein glühender Verehrer Stalins, wird von diesem persönlich zum Colonel des Ministeriums für Staatssicherheit ernannt. Beide sollen vermeintliche Staatsfeinde aufspüren und hart bestrafen. Die Bevölkerung, die sie terrorisieren, fürchtet sie, respektiert sie aber nicht. Ein Druck, mit dem Kadirov und Marlin sehr unterschiedlich umgehen. Dann soll Kadirov seinen Bruder verhaften.

Dieser Spielfilm ist ein Stück Geschichtsaufarbeitung für das usbekische Volk, aber nicht nur. Seine historisch-dokumentarische Umsetzung auch filmtechnisch ist für den westlichen Zuschauer von informativer Sprengkraft. Musakov, der auch das Drehbuch schrieb, packt diesen Geschichtsmoment in eine erzählerische Form. Er zeigt die Ängste der Menschen, Folter, Hinrichtungen, aber auch eindrücklich den Zwiespalt der beiden Protagonisten. Auch dieser goEast-Beitrag hätte einen Preis verdient.

Filmstill aus “Róża”

Der polnische Filmregisseur Wojciech Smarzowski (*1963) drehte zu Beginn seiner Karriere Dokumentarfilme, Werbefilme und Musikvideos. 2004 präsentierte er seinen ersten Spielfilm “Eine Hochzeit und andere Kuriositäten”, der viele Preise erhielt. Auch sein zweiter Film “Dom zly” (The dark house) 2009 erhielt Preise.

Sein neuer Film “Róża” (Rose) wurde 2011 in Warschau mit dem Publikumspreis ausgezeichnet.

Masuren ist eine Region des ehemaligen Ostpreussen. 58 Prozent seiner Bewohner gaben 1910 an, deutschsprachig zu sein, 1925 waren es sogar 82 Prozent. Nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs wurde Ostpreussen unter Russen und Polen aufgeteilt. Die Deutschen wurden aufgefordert, ihre Sprache nicht mehr zu gebrauchen und ihre deutschen Namen abzulegen und erhielten Bleiberecht. Andere wurden vertrieben.

Ort und Zeitpunkt des Films ist Polen 1945. Er zeigt das Schicksal von Róża (Rose) und Tadeusz. Der ehemalige Offizier der polnischen Heimatarmee hat den Kampf um Warschau überstanden und ist nach Masuren geflüchtet, das durch brandschatzende deutsche Soldaten auf dem Rückzug und plündernde russische Rotarmisten nicht zur Ruhe kommt. Er landet auf dem Hof der deutschstämmigen Bäuerin Róża, die trotz aller Widrigkeiten, der Tötung ihres deutschen Mannes, mehrfache Vergewaltigung, ihren Hof weiter zu bewirtschaften versucht. Durch den Fremden erhofft sie sich Schutz. Es entwickelt sich eine wunderbare, starke Liebe, die mit harten Prüfungen konfrontiert wird. Manche Vergewaltigungs- und Folterszenen gehen an die Grenze des Zumutbaren, sind aber nicht überzeichnet. Am Ende eine lange versöhnliche Einstellung, die Hoffnung macht und zeigt, zu welcher Grösse Menschen gelangen können. Es ist ein Film der geschichtlichen Aufarbeitung, der zur Versöhnung zwischen Polen und Deutschen beitragen könnte.

Abend der Preisverleihung am 24. 4. 2012  im Wiesbadener Caligari

Die obigen Filme hat die Autorin gesehen, nicht aber die vier weiteren Wettbewerbsfilme: den tschechischen Film “Vier Sonnen”, eine humorvoll inszenierte  familiäre Kathastrophen-Absurdität, den ukrainischen Beitrag “Gaamer”, Portrait eines jungen Mannes, der in seiner Internet-Spielwelt gefangen zu sein scheint, die Gemeinschaftsproduktion von Serbien, Deutschland, Frankreich, Ungarn und Kroatien “Reiseführer durch Belgrad mit Singen und Weinen”, eine romantische, komödiantische Werbung für das Reiseland Serbien, dessen EU-Beitritt bevorsteht, und schliesslich den rumänischen Film “Alberts Traum”, ein vielschichtiger Film über das Lebensgefühl im sozialistischen Regime Rumäniens 1986.

Der deutsche Dokumentarfilmer Philip Scheffner (*1966) gewann für “Revision” den Dokumentarfilmpreis “Erinnerung und Zukunft”: Zwei rumänische Staatsbürger wurden 1992 an der deutsch-polnischen Grenze erschossen aufgefunden. War es ein Jagdunfall? Warum wurden die Jäger freigesprochen? Diesen Fragen geht die Dokumentation nach. “Ein beunruhigendes, erschreckend aktuelles Bild deutscher Wirklichkeit”, heisst es im goEast-Festivalheft.

Festivalleiterin Gaby Babic (links) mit Claudia Dillmann, Direktorin des Deutschen Filminstituts, beim anschliessenden Empfang der Stadt Wiesbaden

Festivalleiterin Gaby Babic widmete das diesjährige Portrait dem Filmemacher Sergei Loznitsa, 1964 in Weissrussland geboren, der mittlerweile in Deutschland lebt, aber Russland nach wie vor als seine geistige Heimat ansieht. Seine Themen findet er in seinem Heimatland und gestaltet traurige Gleichnisse. Über seine Arbeit schreibt Barbara Wurm in ihrem Beitrag im Festivalheft: “Loznitsa  gilt schon längst als feinfühliger Ästhet mit kompromisslosem Blick, kommentarloser Ausdauer und cine-technischer Raffinesse.” Mit seinem ersten Spielfilm “Mein Glück”  wurde er bereits zu den Filmfestspielen nach Cannes eingeladen. Seine zweite Arbeit “Im Nebel”, die er in einem Werkstattgespräch in Wiesbaden vorstellte, feierte bei den diesjährigen Festspielen Weltpremiere.

Fazit: Insgesamt ein spannendes, informierendes, grüblerisches Filmfestival, an dem sich nur wieder wenige Regisseurinnen beteiligten, keine war mit einem Beitrag bei den zehn Spielfilmen des Wettbewerbs dabei. Woran liegt das?  Gibt es keine filmschaffenden, weiblichen Persönlichkeiten beim mittel- und osteuropäischen Film, die eine Einladung verdient hätten? Nur der georgischen Dokumentarfilmerin Nana Janelidze wird im goEast-Festivalheft grössere Aufmerksamkeit gewährt.  Ihr Werk “Wird es dort oben ein Theater geben?” fand lobende Erwähnung.

s. a.  Filmfestival goEast 2011