“Daphne” von Richard Strauss an der Oper Frankfurt

Eindrücke von Renate Feyerbacher

Eine alte Frau betritt zögernd die Bühne und schreitet durch die hohen, heruntergekommenen Räume. Claus Guth, der Opernregisseur, bekannt für seine psychologischen Interpretationen, lässt die gealterte Daphne den Ort ihrer Kindheit und Jugend, wo der Missbrauch stattfand, aufsuchen. “Der Tag, der sie veränderte, sie erstarren liess, taucht wiederum vor ihren Augen auf.” Das Thema beschäftigt derzeit unsere Gesellschaft landauf, landab. Es sind viele, die zur Zeit aus ihrer Erstarrung aufwachen, sich erinnern und reden wie der Frankfurter Schriftsteller Bodo Kirchhoff: “Keinem der Betroffenen sieht man an, wie viel in ihm kaputt ist.”

Dieser Gedanke schwebt über der Aufführung.

In der griechischen Mythologie erstarrt Daphne, die Nymphe, zum Lorbeerbaum, als Gott Apollo hinter ihr her ist und nicht von ihr ablässt. Das Thema hat Schriftsteller (Ovid, Petrarca, Martin Opitz, Sylvia Plath, Sarah Kane – beide Dichterinnen nahmen sich das Leben – ), Komponisten (Monteverdi, Gluck, Mozart), Maler, Philosophen und Psychoanalytiker wie Sigmund Freud nicht losgelassen. Freud interpretierte die Geschichte als Deflorationsangst des Mädchens und Feindseligkeit gegenüber dem Mann, die krankhafte Züge annehmen kann.

Lance Ryan (Apollo), Daniel Behle (Leukippos) und Maria Bengtsson (Daphne); Bildnachweis: Oper Frankfurt, Foto: © Barbara Aumüller

Richard Strauss war ein Freund Griechenlands. 1892 besuchte er die Insel Naxos, auf der Dionysos, Gott des Weines, geboren und verehrt wurde. Auch Ariadne lebte hier. Richard Strauss schuf zusammen mit Hugo von Hofmannsthal die Oper “Ariadne auf Naxos”. Auch diesmal wollte der Komponist mit Hofmannsthal die “Daphne” erarbeiten, aber der Freund starb unerwartet 1929. Stefan Zweig übernahm die Librettistenaufgabe, aber die Nazis liessen dieses Bündnis von Komponist und Dichter nicht zu. Zweig empfahl Joseph Gregor, einen Bücherwurm, Bibliothekar und Archivar, der die Theatersammlung der Österreichischen Nationalbibliothek gegründet hatte und sich hin und wieder als Poet betätigte. Die Briefe, die Strauss ihm schrieb, zeugen von der mühsamen Arbeit am Libretto. Er forderte laufend Veränderungen und sprach von “schlecht imitiertem Homerjargon”. Er liess das Projekt schliesslich zu mit den Worten, “dass aus dem hübschen Sujet und manchen hübschen Details der Bearbeitung nicht doch noch ein netter Einakter werden kann”. “Daphne”, die bukolische Tragödie in einem Akt, wurde am 15. Oktober 1938 in der Semper-Oper in Dresden uraufgeführt. Bukolik ist die griechische Hirtendichtung.

Lance Ryan (Apollo) und Maria Bengtsson (Daphne); Bildnachweis: Oper Frankfurt, Foto: © Barbara Aumüller

Die Oper beginnt mit den Vorbereitungen auf das Dionysos-Fest. Leukippos, der Jugendfreund, umwirbt Daphne und kommt ihr nah, doch sie schreckt plötzlich zurück. Mutter Gaea, mythologisch Mutter Erde, ist besorgt. Apollo, verkleidet als Hirte, ist von dem jungen schönen Mädchen (Nymphe) angezogen. Daphne ist berührt von seinen Liebesworten, umarmt und küsst ihn, dann schreckt sie vor Angst zurück. Beim Fest erscheint Leukippos als Mädchen verkleidet, um Daphne nahe zu sein. Diese Entweihung des Festes und der Betrug erzürnen Apollo: Er stört mit Donner und Blitz die Festlichkeiten und stellt den jungen Nebenbuhler zur Rede. Daphne muss den doppelten Betrug erkennen. Leukippos befreit sich selbst von den Frauenkleidern, Apollo offenbart sich und fordert die Geliebte auf, mit ihm zu gehen. Als Leukippos ihn einen Lügner nennt und Daphne sich weigert, mitzugehen, kommt es zum Kampf. Apollo tötet Daphnes Jugendfreund und bittet die Götter um Vergebung. Daphne möchte er zurück gewinnen – nicht in Menschengestalt, sondern als immer grünenden Lorbeerbaum. Daphne verwandelt sich.

Der Text dieser musikalisch eindringlichen Oper erscheint manchmal verquast und artifiziell. Man muss sich auf die Musik konzentrieren mit ihren wunderschönen Momenten: “Hier sind behutsame Regungen und Stimmungen der Naturverbundenheit in Klänge gefasst, die man so leicht nicht vergisst”, schreibt Ernst Krause (zitiert nach dem Programmheft). Fasziniert ist er, wie Strauss Daphnes Verwandlung in den Lorbeerbaum musikalisch umsetzt, die sich in “schleierzartem Fis-Dur vollzieht, wie der Klang sich aus dem reinen Holz emporwachsend immer mehr in das viel verästelte Farbenflimmern der geteilten Streicher, der Harfe und der übrigen Instrumente auflöst … “, der Klang sich in den “vogelhaft-zwitschernden Koloraturen des frei schwebenden Soprans” fortspinnt. Das ist einmalig. Strauss hat mehr als einen netten Einakter geschaffen.

Maria Bengtsson (Daphne); Bildnachweis: Oper Frankfurt, Foto: © Barbara Aumüller

Claus Guths einleuchtende, psychologisch-durchgängige Regiearbeit steht im Einklang mit der musikalischen Realisation.

Die Schwedin Maria Bengtsson singt Daphne. Ihr zarter, lyrischer Ton begeistert, ihr Spiel ist eindringlich. Ihr einleitender Monolog “O bleib, geliebter Tag” lässt erahnen, welches Potential diese Stimme birgt, die in der Klage um den toten Freund einen Höhepunkt erreicht. Heldentenor Lance Ryan hat in “Daphne” sein Debüt als Apollo. Trotz gesundheitlicher Probleme am Premierenabend gab der Kanadier einen grandiosen Einstand an der Oper Frankfurt. Er verlieh diesem liebesbesessenen und machtorientierten Gott kraftvolle Töne, manchmal bewusst etwas schrill. Martin Behle ist Leukippos. Sein jugendlicher, strahlender Tenor, makellos in den Höhen, besticht.

Matthew Best als Vater Peneios und Tanja Ariane als Gaea überzeugen wie auch die anderen Sängerinnen und Sänger, die als Schäfer und Mägde agieren.

Generalmusikdirektor Sebastian Weigle und das Frankfurter Opern- und Museumsorchester musizieren sehr dynamisch: lebendig beim Fest, einfühlsam bei den Naturimpressionen.

“Daphne” – ein Opernabend, den man schon wegen Maria Bengtsson nicht verpassen sollte: Vorstellungen gibt es am 4., 10., 18., 23. und 25. April sowie am 19. und 26. Juni 2010, jeweils um 19.30 Uhr.

“Das Wesen im Ding” ist die neue Ausstellung im Frankfurter Kunstverein betitelt. Sieben künstlerische Postionen werden dazu präsentiert. Es geht darum, wie Künstler die Natur- und Dingwelt durch deren Repräsentation und Imitation ergründen, um tiefere Erkenntnisse über das Wesen der Welt zu gewinnen. “Die Repräsentation der für wirklich gehaltenen Welt”, so der Frankfurter Kunstverein, “ist kaum noch ohne eine Reflexion der damit verbundenen Parameter möglich. Mit den unterschiedlichsten künstlerischen Strategien wie Serialität, Fragmentierung, Skalierung oder Auflösung entstehen nunmehr Abbildungen der Natur- und Dingwelt, die ihren Wirklichkeitsbezug in Frage stellen”.

In “Morasko Circle” – einer ihrer sieben ausgestellten Arbeiten  – baut Nina Canell eine kleine Installation, die auf den ersten Blick – den wir jedoch alsbald korrigieren werden – wie eine einfache naturwissenschaftliche Versuchsanordnung erscheint. Das Wasser in der Schüssel wird von derem Grund her etwas aufgewirbelt, ihm entsteigt bisweilen ein nebeliger Dampf, ein Mikrofon verstärkt blubbernde Geräusche über eine technische Apparatur zu jenem erwähnten Prickeln und Geigerzähler-Klackern, das wir so unauslöschlich mit hörbar gemachter radioaktiver Strahlung verbinden. Rote und schwarze Kabel leiten elektrische Ströme, eine profane Lampe, in künstlerischer oder kuratierender Absicht verbal zur “Laterne” veredelt, beleuchtet die Szenerie.

Nur ein Baukastenspielchen? Was hat es mit dem “Morasko Circle” auf sich?

Vor etwa 5.000 Jahren soll es sich begeben haben: Ein Meteorit stürzte dort zur Erde, wo heute das polnische, inzwischen nach Posen eingemeindete  Dörfchen Morasko liegt, nach welchem der Ausserirdische – nach seiner Entdeckung Ende 1914 – seinen Namen erhielt. Die Geschwindigkeit des Himmelskörpers mag zwischen 11.000 und 18.000 kmh betragen haben, als er in einer grossen Druckwelle zerberstend und verdampfend einschlug. Es bildeten sich mehrere Krater, zum Teil bis heute mit Wasser gefüllt.

Liegt hier der Schlüssel zu jenem Geheimnis, das uns umhüllt, wenn wir in der Dunkelheit die Installation immer wieder im Kreis umschreiten, der vom grellen Lichtbündel enthüllten Dampfentwicklung ansichtig, das Prickeln und Klackern der Strahlungen unerreichbar ferner Welten im Ohr, von denen uns der einst dem Asteroidengürtel entflohene Meteorit kündet? Die banalen, armen Materialien, die Nina Canell zu ihrer skulpturalen Erzählung komponiert, gewinnen eine neue ästhetische, ja poetische Dimension. Unsichtbare Energien werden in Luft, Dampf und Licht, im Klang des seine Aggregatzustände wechsenden Wassers erahnbar. So wie der ganze kosmische Kreislauf. Das Universum.

Abbildungen: “Morasko Circle”, 2007, Plastikschüssel, Nebelmaschine, Wasser, Acryl, Schlingenhalterung, Mikrofon, Laterne, PA-System; Ausmasse variabel; Courtesy Sammlung Christian Schwarm, Stuttgart; Fotos: FeuilletonFrankfurt

Nina Canell, 1979 im schwedischen Växjö geboren, studierte am Institute of Art, Design and Technologie in Dun Laoghaire, Irland, mit dem Abschluss Bachelor of Fine Art (1st Class Honours). Seit 2005 stellte sie in einer Vielzahl von Gruppen- und Einzelausstellungen ihre Arbeiten vor, unter anderem in Aachen, Antwerpen, Berlin, Dublin, Düsseldorf, Frankfurt am Main, Gwangju (Korea), Hamburg, Köln, London, Neapel und New York. Die Künstlerin lebt und arbeitet in Berlin und in Dublin.

Merkwürdige Gesellen haben sich dort eingefunden, soviel sei schon zu Beginn verraten, als da wären Rübling und  Schwindling, Porling und Saftling, Becherling, Ritterling und Täubling und sogar der legendäre Hallimasch.

Und was für Beinamen tragen diese Gesellen! “Am Ast gehen”, “Ganz alleine”, “Ein Herz und eine Seele”, “Erzieherin” und “Alleinerzieherin”, “Carmen” und “Lourdes”,  “Langes Gespräch” und “Husten”, “Gouvernante” und “Schneewittchen”, “Drei Kameraden” …

Florian Haas vor 66 Pilzbildern, 2002 bis 2009, jeweils Öl auf Hartfaser, 17,5 x 25 cm, Courtesy Künstler und Galerie Heike Strelow

Natürlich kennen Sie, liebe Kunstliebhaber und -liebhaberinnen, Florian Haas – vielleicht bringen sie ihn zu allererst mit der Künstlergruppe “finger”, der  “Frankfurter Stadtimkerei” und natürlich dem Museum für Moderne Kunst MMK in Verbindung, auf dessen Dach er (zusammen mit Andreas Wolf) wiederholt einen Bienenstand – als ein gesellschaftsrelevantes Kunstprojekt – installierte.

Hier nun Florian Haas als Maler: Im Frankfurter Kunstverein zeigt er Pilze, so weit im Ausstellungssaal das Auge reichen mag. Allein 66 Bilder in kleinem Format, zu einem Tableau gehängt; hinzu kommen mehrere Arbeiten in grossem Format.

Mit seinen Autorenarbeiten (Malerei und Grafik) einerseits und seinen vielgestaltigen Gruppenprojekten andererseits wendet sich der Künstler an recht unterschiedliche Publika. Für erstere mögen aus jüngerer Zeit seine Einzelausstellungen in der Frankfurter Galerie Heike Strelow stehen, für letztere neben der bereits genannten “Stadtimkerei” Projekte wie “Public Garden Public Generation” in Aachen, “Observing Beast, Time, Evolution – Kunst und Naturwissenschaft” in Hildesheim oder “Wollen Sie Ihrer Bank auch etwas mitteilen?” im Frankfurter Projektraum finger. Stets haben seine Arbeiten und Interventionen einen institutions-, zeit- und gesellschaftskritischen Hintergrund, seien es die Eitelkeiten eines narzisstischen und hedonistischen Kunstbetriebs, sei es die Banken- und Finanzkrise samt ihrer gesamtgesellschaftlichen Auswirkungen.

Lourdes, 2010, Öl auf Leinwand, 130 x 96 cm, Courtesy Künstler und Galerie Heike Strelow

Neben den Bildern von Pilzen und Blumen – die er geradezu als Porträts gestaltet – beschäftigt sich Haas in seiner Malerei mit Landschaften, mit der Natur schlechthin. Den Pflanzen- und Pilz”porträts” kommt vielfach ein allegorischer Charakter zu – wir erinnern uns an die eingangs aufgeführten Titel, die Haas seinen Pilzbildern gibt. Sein Malstil könnte “naiv” genannt werden – naiv jedoch im Sinne einer Respektlosigkeit gegenüber dem Urteil der “Experten” eines immer stärker kommerzialisierten Kunstbetriebs samt dessen Hitlisten. Also durchaus auch eine Provokation.

“Bei Haas entspringt das Malen”, schreibt Holger Kube Ventura, Chef des Frankfurter Kunstvereins, “eher dem Bedürfnis nach einer sensiblen Würdigung des Gegenstands: Es ist eine absichts- und funktionslose und daher respektvolle Beschäftigung mit ihm. Sie ist getrieben von der Neugier darauf, dass aus der künstlerischen Handlung quasi ungesteuert etwas Neues entstehen möge.” Kritik an gesellschaftlichen Zuständen der Gegenwart, an Egoismus und Konkurrenzdenken, an Unterwerfung gegenüber dem Diktat der Ökonomie auch hier: In Haas’ Arbeiten jedoch manifestiert sich diese Kritik als Darstellung einer Welt der schönen Natur, als eine – so Kube Ventura – “Würdigung natürlicher Organismen, die eine andere, friedlichere Form des Zusammenlebens vorzuschlagen scheinen”.

Albert Speer zum 75. Geburtstag, 2010, Öl auf Leinwand, 97,5 x 145 cm, Courtesy Künstler und Galerie Heike Strelow

“Das Wesen im Ding” zu ergründen – dazu scheinen uns in besonderer Weise Pilze herauszufordern. Pilze als geheimnisvolle Wesen, biologisch zwischen der Tier- und der Pflanzenwelt angesiedelt: Ihre heterotrophe Lebensweise teilen sie trotz ihrer Ortsgebundenheit mit den Tieren, von den Pflanzen unterscheiden sie sich durch die Unfähigkeit zur Photosynthese. Vielfach und fälschlich wird als Pilz lediglich der oberirdisch sichtbare knollen- oder hutförmige Fruchtkörper angesehen, der jedoch nur einen geringen Teil dieses Lebewesens ausmacht. Pilze erreichen mitunter hohe Lebensalter und riesige Dimensionen: Ein im Jahr 2000 im US-amerikanischen “Malheur National Forest” (Oregon) entdeckter, über 2400 Jahre alter Armillaria ostoyae, ein Hallimasch, hat eine Ausdehnung von knapp 900 Hektar und dürfte nach Ansicht von Wissenschaftlern rund 600 Tonnen wiegen. Er wird als eines der grössten, von manchen überhaupt als das grösste Lebewesen der Erde angesehen.

Carmen, 2009, Öl auf Leinwand, 85 x 120 cm, Courtesy Künstler und Galerie Heike Strelow

Florian Haas, 1961 in Freiburg/Breisgau geboren, studierte von 1983 bis 1988 an der Akademie der Bildenden Künste Karlsruhe bei Professor Peter Dreher. 1990 bis 1992 folgte ein Aufbaustudium mit dem Abschluss Meisterschüler. Haas lebt und arbeitet in Frankfurt am Main.

(abgebildete Werke © Florian Haas; Fotos: FeuilletonFrankfurt)

Was ist das “Wesen” im “Ding”?

Ein “Ding”: ein Objekt, eine Sache, ein Gegenstand? Das Bild, das wir uns von ihm machen, die Vorstellung, die wir von ihm haben? Wie stehen wir, als Subjekt, dem Ding, als Objekt, gegenüber? Immanuel Kant sprach von dem “Ding an sich” als dem unabhängig vom Subjekt Seienden (Kant: “Es sind uns Dinge als ausser uns befindliche Gegenstände unserer Sinne gegeben, allein von dem, was sie an sich selbst sein mögen, wissen wir nichts, sondern kennen nur ihre Erscheinungen, d. i. die Vorstellungen, die sie in uns wirken, indem sie unsere Sinne affizieren”). Und das “Wesen”? Der Essentialismus unterstellt ein Wesen als wahre Natur, als Identität einer Sache, eines Dings also. Seit alters her bilden Vorstellungen von “Ding” und “Wesen” ein Tummelfeld der Philosophen. Heute erscheint, im Lichte quantenphysikalischer Erkenntnisse und Theorien, von Forschungen mit dem Large Hadron Collider LHC und deren mit Spannung wie auch Spekulationen erwarteten Ergebnissen, vieles von dem lediglich noch der historischen Betrachtung wert.

Wir verstehen die Ausstellung im Frankfurter Kunstverein als eine – exemplarische – Präsentation, wie sich Künstler heute mit Fragen nach einem Wesen im Ding auseinandersetzen. Nach einer – wiederum exemplarischen – Betrachtung der Arbeiten von Nina Canell und Florian Haas schliessen wir mit einer künstlerischen Position von Egill Sæbjörnsson.

Putzeimer, Besen und andere, der Reinigung dienende und damit durchaus banale Gegenstände entfalten in der Installation “Kugeln” ein erstaunliches Eigenleben:

Kugeln, 2008, Installation mit verschiedenen Objekten, Beamer, Ton, Masse variabel, Ausstellungsansicht, Courtesy Künstler, i8 Gallery Reykjavik und Grusenmeyer Art Gallery, Deurle; Fotos: FeuilletonFrankfurt

Die genannten Gegenstände werden zu einer Art Stillleben arrangiert und einer Videoprojektion aus Filmen und Animationen ausgesetzt, die sie überlagert. Auf der Projektionsfläche an der Wand vermischen sich diese Videoprojektionen mit den Schatten und Durchleuchtungen der angestrahlten, zum Teil transparenten Gegenstände zu einer filmischen Szenerie, in der die Elemente zu einer flächig wie räumlich erscheinenden Bilderwelt fusionieren. Mit der Projektion verändert sich zugleich die Szenerie der real arrangierten – wie ausgeführt teilweise transparenten – Gegenstände. Der Betrachter nimmt somit deren körperlich vorhandene, in ihrer Anschauung sich jedoch stets wandelnde Gegenständlichkeit vor deren projiziertem, wiederum mit der eigentlichen Projektion fusioniertem Abbild auf der Wand wahr.

In ähnlicher Weise verfährt der Künstler in seiner Arbeit “The Silent Maker” mit einem Arrangement von gläsernen und damit hochtransparenten, dieses Mal auf einer sich drehenden Scheibe angeordneten Objekten. In der Durchleuchtung wiederum mittels einer spezifischen Videoprojektion erfahren die rotierenden Glaselemente eine eigentümliche Mutation. Auf der Projektionsfläche an der Wand verschmelzen sie mit dem Video zu einem kosmisch-elementar anmutenden Szenarium, das sich als ein Bildnis ihres Innenlebens lesen lässt, zu einem Ambulatorium nächtlich wandelnder Kometen und Gestirne, zu einem Tanz der Elementarteilchen. Eine Arbeit auch von ausserordentlicher, faszinierender Schönheit und Ästhetik.

The Silent Maker (Glass Objects), 2009, Glasobjekte, bewegliche Scheibe, DVD, Beamer, Ton, Masse variabel, Ausstellungsansicht, Courtesy Künstler, i8 Gallery Reykjavik und Grusenmeyer Art Gallery, Deurle; Fotos: FeuilletonFrankfurt

In seinen Arrangements “Grey Still Life” II und III baut Sæbjörnsson kleine Bühnen, die einem aufgeklappten Notebook ähneln. Er bestückt sie mit Gegenständen des Alltags – Bällen, Kaffeekannen und Trinkbechern, Schreibpapier, Bilderrahmen und Spielzeugfiguren, Aktenköfferchen, Schalen und Vasen. Auch diese Arrangements bestrahlt er mit Videoprojektionen. Da scheinen Lampen und Lupen die aufgebauten Dinge eingehender untersuchen und ergünden zu wollen. Sie überziehen sie mit grafischen Elementen wie mit Symbolen und Chiffren. Die Dinge auf den Bühnen verändern sich unter den Projektionen, sie erscheinen in neuen Zusammenhängen und wollen sich dem Betrachter auf neue Weise mitteilen.

Grey Still Life II, 2009, verschiedene Objekte, Videoprojektion, Ton, Masse variabel, Ausstellungsansicht, Courtesy Künstler, i8 Gallery Reykjavik und Grusenmeyer Art Gallery, Deurle; Fotos: FeuilletonFrankfurt

Grey Still Life III, 2009, verschiedene Objekte, Videoprojektion, Ton, Masse variabel, Ausstellungsansicht, Courtesy Künstler, i8 Gallery Reykjavik und Grusenmeyer Art Gallery, Deurle; Fotos: FeuilletonFrankfurt

Sæbjörnsson untermalt das Geschehen im grossen Ausstellungssaal mit gelegentlichen akustischen Elementen, Tönen, Klängen und Sprachfetzen.

“Brown Paper” betitelt der Künstler eine grossformatige Videoprojektion, die uns in kosmische Welten führt. Aus einem Sternenhimmel fliegen an Meteoriten erinnernde Elemente auf den Betrachter zu, die jedoch alsbald auf rechteckigen Hintergründen – wir denken an Objekttische von Mikroskopen – fixiert werden. Um Untersuchen und Erkennen geht es auch hier. Zumindest um den entsprechenden Versuch.

Brown Paper, 2010, Papierobjekte, Beamer, Ton, 255 x 455 cm, Courtesy Künstler, i8 Gallery Reykjavik und Grusenmeyer Art Gallery, Deurle; Fotos: FeuilletonFrankfurt

“Der Reiz von Sæbjörnssons Installationen besteht”, so der Frankfurter Kunstverein, “einerseits aus dem synästhetischen Zauber der zum Leben erweckten Stillleben und andererseits aus der Ruhe und Schlichtheit, die die verwendeten Gegenstände ausstrahlen”.

Egill Sæbjörnsson, 1973 in Reykjavik geboren, studierte in den Jahren 1993 bis 1997 am Icelandic College of Arts and Craft in Reykjavik sowie an der Université Paris 8 Vincennes-St. Denis. Der Künstler stellte bislang unter anderem in Gent, London, Reykjavik, Roskilde, Wien und Sydney, in Deutschland in Berlin und in Dresden-Hellerau aus. Sæbjörnsson lebt und arbeitet in Berlin.

(abgebildete Arbeiten © Egill Sæbjörnsson; Fotos: FeuilletonFrankfurt)

der Deutsch-Italienischen Vereinigung e.V. in Zusammenarbeit mit der Graphischen Sammlung des Städel Museums Frankfurt am Main -

in collaborazione con il Museo Städel di Francoforte, Sezione di Arti Grafiche, con visita guidata

Giorgio Morandi (1890 bis 1964), Paesaggio di Grizzana 1932,
Acquaforte su rame, 299 x 239 mm;
Bildnachweis: Deutsch-Italienische Vereinigung

War es nicht schon immer Ihr Wunsch, liebe Leserinnen und Leser, eine Führung durch Sammlungen italienischer Kunst des Frankfurter Städel-Museums in italienischer Sprache zu erleben?

In collaborazione con il Museo Städel di Francoforte la Deutsch-Italienische Vereinigung e.V. organizza una visita alla Sezione di Arti Grafiche del museo. Il programma prevede due serate, la prima allo Städel e la seconda presso la Deutsch-Italienische Vereinigung e.V. I partecipanti avranno la possibilità unica di ammirare capolavori della grafica moderna italiana non pubblicamente esposti e acquisteranno ulteriori conoscenze sia nella lingua che nella storia dell’ arte italiana.

Wenn Sie mit Ihren Sprachkenntnissen aus dem Urlaub diesen Text – jedenfalls im Prinzip – inhaltlich verstehen, dann sollten Sie nicht zögern, den neuen Kurs der Deutsch-Italienischen Vereinigung zu buchen, der sich jetzt im September der modernen italienischen Grafik widmet. Sie werden Werke unter anderem von Giorgio Morandi, Lucio Fontana, Alberto Magnelli und Piero Dorazio aus dem Städel-Archiv sehen.

Die beiden Veranstaltungen finden am 10. und 16. September 2009, jeweils 19 Uhr statt. Da die Teilnehmerzahl begrenzt ist, empfielt sich eine möglichst baldige Anmeldung (Kursgebühr 60 Euro, Studenten 50 Euro, Inhaber der Museumscard jeweils 10 Euro weniger).

Deutsch-Italienische Vereinigung e.V., Arndtstrasse 12, 60325 Frankfurt am Main; Tel. 069 / 74 67 52, E-Mail: div@div-web.de

Gustave Courbet (1819 bis 1877), “La Dame de Francfort” (oder: Dame auf der Terrasse), 1858, Öl auf Leinwand, 207 × 325 cm, Wallraf-Richartz-Museum Köln

Nicht allen Frankfurterinnen und Frankfurtern ist bewusst, dass Gustave Courbet, eine bedeutende Malerpersönlichkeit in der Zeit des Übergangs vom Realismus zum Naturalismus, im Jahr 1858 rund sechs Monate in Frankfurt am Main verbrachte. In Frankreich hatte er bereits manches Aufsehen erregt, sowohl künstlerisch als auch gesellschaftlich und politisch. Nach früheren Erfolgen im Pariser Salon sorgte er zur Weltausstellung 1855 in Paris für einen Eklat, als er sich weigerte, der Jury zunächst den Entwurf eines für die Ausstellung vorgesehenen grösseren Werkes vorzulegen. Zwar wurden zu dem Ereignis elf seiner Bilder präsentiert, doch errichtete der verärgerte Courbet in Konkurrenz einen eigenen “Pavillon du Réalisme” mit vierzig Arbeiten.

In Frankfurt am Main stellte die Kunstakademie Courbet ein eigenes Atelier zur Verfügung. Während dieses Aufenthaltes schuf er zwölf Bilder, darunter die bekannte Ansicht “Blick auf Frankfurt” (1858) sowie die besagte “Dame de Francfort”, unter deutschem Titel als “Dame auf der Terrasse” eingeführt. Im Frühjahr 2007 war die besagte Madame vom kölnischen Rhein an den heimatlichen Frankfurter Main zurückgekehrt – im Rahmen der Ausstellung des Städel Museums “Gärten: Ordnung, Inspiration, Glück”.

Geheimnisvoll erscheint dieses Werk, gleichsam als eine “Frankfurter Mona Lisa”, wie Sabine Hock schreibt. Es ist nicht bekannt, wer das Gemälde in Auftrag gab und wen es darstellt. Zweifellos handelt es sich um eine Dame der “höheren” Gesellschaft, zu der der auch in Frankfurt erfolgreiche Courbet Zutritt hatte. Bemerkenswert erscheinen Komposition und Proportionen des Bildes, die zu vielerlei Spekulationen Anlass geben. Sie gehen zum Teil dahin, so etwa die Kunsthistorikerin Bettina Erche, dass ursprünglich neben der Dame ein Herr mit am Tische dargestellt gewesen sein soll, den Courbet jedoch später – möglicherweise aus persönlichen, in der Intimshäre angesiedelten Gründen – übermalt haben soll, allerdings in einer Weise, die die einstige Gestalt durchaus noch erahnen lasse.

Uns mutete es hingegen eher geheimnisvoll, wenn nicht unverständlich an, wenn dieses Rätsel einer eventuellen Übermalung des ominösen Begleiters der Dame mittels der heute zur Verfügung stehenden wissenschaftlichen Analysemöglichkeiten nicht längst gelöst sein sollte. Aber, so Sabine Hock, “das Geheimnis um Courbets Dame lässt das Bild eigentlich nur noch interessanter scheinen”. Das mag richtig sein; denn ohne Geheimnisse wäre die Welt um einiges ärmer.

“The Frankfurt Selection” betitelt “Planet Vivid”-Galeristin Helen Hofmann ihre neueste Ausstellung mit Arbeiten von Dirk Baumanns, Uwe Groß und Natalie Vu. Aber: Groß und Vu studierten – und Baumanns, der jüngste unter ihnen, studiert noch – an der Offenbacher Hochschule für Gestaltung (HfG). Jedoch setzten Groß und Vu anschliessend ihr Studium an der Staatlichen Hochschule für bildende Künste, der Frankfurter Städelschule, fort, Groß als Meisterschüler von Jörg Immendorf, Vu als Meisterschülerin von Christa Näher.

Was angesichts solcher “Grenzüberschreitungen” aktuell bei Planet Vivid herauskam, kann sich weit über das Rhein-Main-Gebiet hinaus sehen lassen: eine eindrucksvolle Werk- und Leistungsschau dreier hochbegabter Künstlerinnen und Künstler aus der Region, in einer überaus gelungenen Zusammenstellung und überzeugenden Präsentationsdramaturgie von Gegensätzlichem wie einander Ergänzendem.

Uwe Groß , 1963 in Frankfurt am Main geboren, der sicherlich derzeit Arrivierteste dieses künstlerischen Dreigestirns, studierte zunächst von 1981 bis 1984 an der HfG Industriedesign und von 1989 bis 1995 Freie Malerei an der Städelschule bei Jörg Immendorff, dessen Erster Meisterschüler er 1995 wurde. Seit 2003 lehrt er als Dozent an der Freien Kunstakademie Hohenaschau. Groß stellte vielfach im In- und Ausland aus, eine Anzahl seiner Arbeiten befindet sich in öffentlichen und privaten Sammlungen.

Serpentina in Dresden I, 2005, 42 x 59 cm, Kreide auf Papier

In seinen narrativen Arbeiten rekurriert Groß auf Themen aus der Literatur, die er mit Aspekten und Personen aus seinem eigenen Leben als Künstler verbindet. Auf diese Weise verfuhr er bereits mit dem Märchen vom “Goldenen Topf” von E. T. A. Hoffmann oder dem Lustspiel “Der zerbrochene Krug” von Heinrich von Kleist. Der jetzt bei Planet Vivid ausgestellten, zehn Arbeiten im Format 42 mal 59 cm umfassenden Serie liegt “Affe und Wesen. Ein Roman aus der Zeit nach dem Atomkrieg” von Aldous Huxley zugrunde. Obwohl es sich bei dem Zyklus “lediglich” um in Kreide ausgeführte Vorskizzen zu einer wohl wieder grossformatigen Ölmalerei handelt, die sich in Arbeit befindet, stellt er bereits ein eigenständiges, in sich geschlossenes erzählerisches Werk dar.

Einführung, 2010, 42 x 59 cm, Kreide, Pastell auf Papier

Groß hat längst, inspiriert von seinem verehrten Lehrer und “Meister” Jörg Immendorff, in seinen wie erwähnt zumeist grossformatigen Arbeiten eine spezifische allegorische Bildsprache voll Symbolik und von besonderer Sinnlichkeit entwickelt.

“Durch die stückartig zusammengefügten Hintergründe und Farbkontraste erhält seine Malerei”, schreibt Helen Hofmann, “eine enorme Präsenz, der man sich als Betrachter nur schwer entziehen kann.”

Gleich Mittendrin, 2010, 42 x 59 cm, Kreide auf Papier

Ausstellungsansicht (Foto: FeuilletonFrankfurt)

Natalie Vu, 1974 in Bochum geboren, studierte nach einer Ausbildung an der Frankfurter Schule für Bekleidung und Mode sowie zahlreichen Auslandsaufenthalten von 2002  bis 2007 an der HfG Malerei, Freies Zeichnen und Illustration; 2007 legte sie ihr Vordiplom im Fach Freie Gestaltung ab. Von 2007 bis 2009 setzte sie ihr Studium an der Städelschule fort mit dem Abschluss als Meisterschülerin von Professor Christa Näher.

Ausstellungsansicht, im Zentrum: Word in a Straight Jacket, 2010, 100 x 128 cm, verschiedene Textilien, Textilfarbe, Acryl, Garn, Ölpastelle (Foto: FeuilletonFrankfurt)

“Man möchte immer wieder Beweise dafür, dass man da gewesen ist. Auf unserem Weg sammeln wir Andenken wie Fotos, Dokumente, Videos usw. Kleine Erinnerungen für das, was gewesen ist und erlebt wurde. Beweise dafür, dass wir da waren. Das, was sofort abrufbar ist, sind die intensiven Zeiten. Das Gefühl des Glücks vergeht schnell, die Leichtigkeit ist so leicht, dass man sie kaum halten kann. Harmonische Zeit wird genossen, man zählt nicht die Minuten, wenn es einem gut geht. Aber man zählt jede Sekunde des Leidens. Ich beschäftige mich hauptsächlich mit den schwierigen Zeiten des Lebens. Mich haben sie mehr geprägt als alles andere”, erzählt Natalie Vu.

Word in a Straight Jacket (Detail)

Einem Tagebuch vergleichbar, mit genauen Zeitangaben versehen hält die Künstlerin in “Word in a Straight Jacket” Erlebnisse, Wahrnehmungen und Befindlichkeiten fest. Das “Jacket” mag für ein Umgebendes, ein Um- und Verhüllendes stehen: Leben und Spielen, Drängen und Warten, Handeln und Verweilen, Blut und Krankheit, Versuchen, Verschwenden und am Ende Vergeblichkeit.

“The End” markiert ein von falschem Grün umgebenes Reihendoppelhaus, die menschenleere Terrasse durch ein Spaliergitter aus dem Baumarkt geteilt, diesseits eine Hollywood-Schaukel, jenseits ein Gartenkamin, Metaphern obligatorischer wie sinnentleerter Freizeitgestaltung. In Fingerabdrücken dokumentiert sie – auf eindringliche, fast bedrängende Weise – Anwesenheit, Individualität und Existenz. Fake und Fade, Schein und Vergänglichkeit, werden als Bedrohungen wahrgenommen.

Fak ‘n’ Fade, 2010, 39,5 x 50,5 cm, Textilfarbe, Acryl, Garn

In ihren Arbeiten näht Natalie Vu Motive, Symbole und Worte, die sie, Collagen vergleichbar, zusammenfügt. “Das Nähen ist eine meditative Arbeit”, sagt sie, “die viel Zeit in Anspruch nimmt. Zeit, in der ich die gesammelten Stücke, in Gedanken, wie ein Puzzle zusammenfüge.”

In Ketten gefesselte Hände, die einander suchen, ergreifen, die geben und empfangen wollen – Ausdruck von Sehnsucht nach einer anderen, besseren Gesellschaft.

O.T., 2010, 45,5 x 55,5 cm, Textilfarbe, Acryl, Garn

Dirk Baumanns, 1980 in Offenbach geboren, nahm 2003 das Studium (Malerei, Freies Zeichnen und Performance) an der HfG auf. 2007 legte er das Vordiplom ab, 2008 war er Preisträger des EVO-Kunstwettbewerbs “Künstler der Region” und 2009 Stipendiat der Johannes Mosbach-Stiftung. Seit 2006 stellte er in Frankfurt am Main und Offenbach sowie in Berlin, Rom, Salzburg und Zadar aus; daneben zeigte er in Frankfurt und Offenbach Performances. Baumanns lebt und arbeitet in Frankfurt am Main.

Burnout, 2010, 168,5 x 135 x 5 cm, Öl auf Leinwand

Baumanns jetzt bei Planet Vivid gezeigte, abstrakte wie auch in Ansätzen figurative, stets expressive Arbeiten erscheinen dreidimensional und muten in manchem skulptural an: Er trägt die oft lebhaft wirkenden, leuchtenden, mitunter grellen Ölfarben pastos in dicken und verschiedenfarbigen Schichten auf die Leinwand auf, die er anschliessend durch Auskratzen bearbeitet, wobei er die Schichten wieder freilegt. Manche seiner Arbeiten lesen sich, Atlanten ähnlich, wie aus grösserer Höhe aufgenommene topografische Darstellungen mit Gebirgen, Ebenen und Meeren. Meistens jedoch stehen der Mensch und seine Umwelt, die Natur in ihrer Bedrohtheit im Mittelpunkt.

Bound together, 2009, 45,2 x 37,7 x 2,5 cm, Öl auf Leinwand

Baumanns “gekratzte ” Arbeiten wirken energetisch aufgeladen, mitunter explosiv. “Das ‘Kratzen’ “, schreibt Helen Hofmann, “ist ein Synonym für den zunehmenden Stress und psychische Überbelastung in der heutigen Gesellschaft. Bei Tieren als auch beim Menschen kann es geschehen, dass dieser emotionale Überdruck zu Selbstverletzungen durch Kratzen führt. Dirk Baumanns überträgt diese psychische und emotionale Energie auf das Medium der Malerei.”

Peng, 2010, 45,5 x 42,3 x 2,5 cm, Öl auf Leinwand

Vernissage: Natalie Vu, Dirk Baumanns, Galeristin Helen Hofmann und Uwe Groß (Foto: FeuilletonFrankfurt)

Galerie Planet Vivid, Frankfurt am Main, bis 31. August 2010

(Abbildungen, soweit nicht anders bezeichnet, Galerie Planet Vivid; abgebildete Werke © die Künstlerin bzw. Künstler)

Doch wenn ich male, merke ich, wie vieldeutig und befremdlich alle diese vertrauten Sachen sein können.

Und eigentlich ist es diese Erfahrung, die, unabhängig von den wechselnden Anlässen, das Thema meiner Malerei ist.”

Almut Gernhardt (1940 bis 1989)

Almut Gernhardt, 1977

Am 21. Oktober 2010 wäre Almut Gernhardt 70 Jahre alt geworden: für die Frankfurter Bürgerstiftung Anlass, der unvergessenen Künstlerin und ihrem Ehemann – dem 2006 verstorbenen Schriftsteller Robert Gernhardt – eine Kabinettausstellung im Holzhausenschlösschen zu widmen.

Wer kennt sie nicht – die wunderschönen Gemälde der Almut Gernhardt, wer hat sie nicht schon – als Gruss- und Glückwunschkarten – an Freunde und Bekannte verschenkt?

Almut Gernhardt, o. J., aus: Mit dir sind wir vier

Auch wenn wir uns hier auf einige wenige ihrer hinreissenden Katzenbilder beschränken, können wir im Holzhausenschlösschen das breitgefächerte Œuvre der Malerin aus den Jahren 1974 bis 1986 betrachten: kleinformatige Bilder, auf denen neben den bereits erwähnten Katzen auch Vögel und andere Tiere lebendig werden und verdächtig menschlich wirken; Stillleben, besonders mit reifen Pflaumen, in rustikalen Keramikschalen nach der Ernte flüchtig angerichtet, Gemälde mit bunten Figuren, aber auch Porträts als Auftragsarbeiten nach Fotografien.

Die “Zärtlichkeiten und Heiterkeiten, das Schelmenhafte, das Übermütige, das Rätselhafte, das Märchenreiche, aber auch das ganz und gar Verlassene … die sich selbst genügenden Dinge oder Früchte oder der Himmel samt seinen Wolken, Landschaften und darüber Italiens Licht” bewunderte schon die Schriftstellerin Elisabeth Borchers in Almut Gernhardts Arbeiten.

Almut Gernhardt, 1981, aus: Die Ansprache des Katzenpräsidenten

Ihre ideale Ergänzung finden Almuts Bilder in Robert Gernhardts Lyrik und Prosa. Robert, 1937 in Estland geboren, Redakteur der Satirezeitschrift “Pardon” und Mitbegründer der Neuen Frankfurter Schule mit dem Satiremagazin “Titanic”, war seinerseits ein begnadeter Maler und karikaturistischer Zeichner. Zu Almuts Bildern steuerte er humorvolle wie hintersinnige Texte bei, oft in Form von Gedichten. In seinen späteren Arbeiten setzte er sich mit seiner schweren Herzerkrankung und seinem anschliessenden Krebsleiden auseinander, dem er im Jahr 2006 erlag.

Almut Gernhardt, o. J., aus: Was für ein Tag

“… am Anfang fürchtet man sich eher,
doch nach und nach kommt man sich näher.
Äusserts hilfreich sind zuzeiten
ausgesuchte Höflichkeiten,
und nachdem die stattgefunden,
fühlt man sich schon mehr verbunden.
‘Ich bin die Missu – und wie heisst du?’
‘Ich heisse Pumpi. Doch hör mal zu …’ “

(Aus: Robert Gernhardt, “Was für ein Tag”, S. Fischer Verlag, 2. Aufl. 2010)

Die wundervolle Ausstellung im Frankfurter Holzhausenschlösschen “Was für ein Tag” – Gemälde und Texte von Almut und Robert Gernhardt – läuft bis zum 27. Juni 2010. Man darf sie einfach nicht versäumen – nicht als Tier- und besonders als Katzenfreund und schon gar nicht als Anhänger der verstorbenen Almut und Robert Gernhardt und der Neuen Frankfurter Schule.

(Bildnachweis: Frankfurter Bürgerstiftung im Holzhausenschlösschen)

Wegweiser zur Kunst: “1A”

AusstellungsHalle 1A

- was ist das? Was, wie, wo? – mit einer solchen Frage könnten sich Kulturinteressierte in Frankfurt am Main und im Rhein-Main-Gebiet, aber auch über diese Grenzen hinaus kaum mehr ohne Reputationsverlust in der Öffentlichkeit vernehmen lassen: Längst ist die “1A”, in Frankfurt-Sachsenhausen, Schulstrasse – eben mit dieser Hausnummer – 1A gelegen, eine feste Adresse für ein breites Spektrum an aktueller Kunst.

Nun wäre die “1A” nicht das, was sie ist, ohne ihren Leiter, Koordinator und Kurator, diesen kreativen Hausgeist, an den man sich jederzeit mit allem Möglichen wie Unmöglichen wenden kann: Robert Bock, Jahrgang 1960, promovierter Kunsthistoriker, Begleiter, Kritiker, Ermöglicher und immer auch “väterlicher Freund” junger und nicht mehr ganz so junger Künstlerinnen und Künstler, die in der “1A” eine ideale Präsentations- und Realisierungsmöglichkeit gefunden haben und immer wieder finden.

Chef der “1A”: Robert Bock

Eine ehemalige Waschhalle, in den 1960er Jahren in freitragender Konstruktion errichtet, rund 250 m² Fläche überspannt die Decke: Im Jahr 1999 übernahm sie Robert Bock, renovierte sie mit seinen eigenen Händen und stellte sie Künstlerinnen und Künstlern als Ausstellungs- und Präsentationsforum zur Verfügung. Der Verein “Kunst in Frankfurt e.V.” mit der Zielsetzung, die bildenden und darstellenden Künste zu fördern und zu pflegen, trägt das Unternehmen gemeinsam mit institutionellen Förderern. “Ich habe das gemacht, weil es gesellschaftlich notwendig ist”, erklärte Bock damals in einem Zeitungsinterview. Von Anbeginn an sollte die AusstellungsHalle keine Galerie sein. Vielmehr bildet sie bis heute – auch als Experimentierfeld jenseits aller möglichen Vermarktungsstrategien – eine Art “Zwischenebene” zwischen der künstlerischen Ausbildung und dem etablierten Ausstellungs- und Galeriebetrieb.

Die “1A”

Heute liegt das Hauptgewicht auf der Präsentation von Malerei, Zeichnung, Bildhauerei und Fotografie. Grosse Städel-Professoren wie Peter Angermann oder Hermann Nitsch stellten seinerzeit in der Halle ihre Arbeiten aus. Noch im Aufbruch begriffene oder bereits namhafte Künstlerinnen und Künstler präsentieren sich dort einem grösseren Publikum und empfehlen sich für Galerien. Nur einige Namen können wir hier aufführen – stellvertretend für die vielen anderen Künstlerinnen und Künstler:  Raimer Jochims, Thomas Kilpper, Corinna Korth, Corinna Mayer, Peter McClennan, Laura Padgett, Nino Pezzella, Lionel Röhrscheid, Margit Seiler oder Kai Teichert.

Darüber hinaus steht die Halle auch für Lesungen, Theater-, Musik- und Filmaufführungen zur Verfügung.

“Rückbesinnung auf eine analytische Kunsttheorie, die Sinnlichkeit und handwerkliche Qualität der Kunst sowie die Anerkennung ihrer Autonomie” lautet das Leitmotiv der “1A”.

Gut für manches Vernissage- und Sommerfest: Romantischer Hof vor der “1A”

Seit dem vergangenen Jahr öffnet sich die AusstellungsHalle 1A auch längerfristigen Projekten:  So arbeiteten die renommierten Frankfurter Künstlerinnen und Künstler Max Weinberg und – jüngst – Wanda Pratschke jeweils über viele Wochen hinweg in der “1A” als einem “offenen Atelier”. Jedermann konnte ihnen während ihres künstlerischen Schaffensprozesses über die Schulter schauen.

Ende Februar 2009 verliess Wanda Pratschkes grosse “Liegende” die AusstellungsHalle. Sie machte Platz für die darauffolgende – leider nur viertägige – Schau “Frank Pompé”, die am 1. März 2009 eröffnet wurde. Am 11. März folgt eine Ausstellung mit Arbeiten von Pili Madariaga “Aquarelle und Malerei” sowie Peter Loewy “Los Angeles Panorama Project”.

FeuilletonFrankfurt gratuliert der “1A“, die in diesen Wochen ihren 10. Geburtstag feiern kann!

(Fotos: FeuilletonFrankfurt)

Es war ein gelungener Auftakt für das viertägige Atelierfest, das der Dezernent für Kultur und Wissenschaft, Professor Felix Semmelroth, gestern abend in den städtischen Ateliers in der Frankfurter Ostparkstrasse eröffnete. Es handelt sich um das erste von der Stadt Frankfurt am Main seinerzeit Frankfurter Künstlerinnen und Künstlern zur Verfügung gestellte Gebäude dieser Art. Was damals als ein Experiment begann, hat sich zwischenzeitlich zu einer wahren Erfolgsstory entwickelt. Heute arbeiten zwölf  Künstlerinnen und Künstler in den Bereichen Malerei, Grafik, Bildhauerei und Konzeptkunst in dem Haus.

Zero Reiko Ishihara und Wilfried Fiebig begrüssen die zur Eröffnung erschienenen Gäste im Atelier von István Laurer

Felix Semmelroth bei seiner Eröffnungsansprache

Susanne Kujer, Felix Semmelroth, Zero Reiko Ishihara und Wilfried Fiebig

Das äusserlich unscheinbare Ateliergebäude birgt reiche Schätze, die es wert sind, gezeigt – und gekauft! – zu werden. Die Besucher können sich davon überzeugen, dass der Pfad zur Kunst nicht unbedingt über New York, London oder St. Petersburg führen muss, sondern dass unmittelbar in Frankfurt am Main Kunst von nationalem und internationalem Rang entsteht.

Gisela Weber in ihrem Atelier

Kristin Lohmann vor einer ihrer Arbeiten

Max Weinberg in seinem Atelier

Zero Reiko Ishihara vor einigen ihrer Arbeiten

Moni Jahn in ihrem Atelier

Das Fest wird von einem reichhaltigen kulturellen Rahmenprogramm begleitet. Am Eröffnungsabend zeigte Anna Rodrígues eine afrokubanische Tanzperformance. Am Freitag, 7. Mai 2010 wird um 20 Uhr eine Performance von Sofia Greff zu sehen sein. Am Samstag, 8. Mai, 19 Uhr spielen Mitglieder der “Jungen Sinfoniker” Kammermusik, und am Sonntag, 9. Mai, 17 Uhr erklingt “Sancho Callao – música latinoamericana” mit Bara Mbacké und Jorge Galbassini.

Das Atelierhaus ist am 7. Mai ab 18 Uhr, am Samstag, 8. Mai ab 16 Uhr und am Sonntag, 9. Mai, ab 14 Uhr geöffnet. Die Künstlerinnen und Künstler freuen sich auf einen regen Besuch und stehen gern zu Geprächen über ihre Arbeiten zur Verfügung.

(abgebildete Arbeiten © jeweilige Künstler; Fotos: FeuilletonFrankfurt)