von Renate Feyerbacher

Feuerrot ist sein Kostüm. Grazil, knabenhaft, beflügelt, beobachtend, lauernd, mit Flöte bewaffnet, hockt Amore (Amor) alias Eros, um seine Intrigen zu beginnen.

Anna Fusek (Amore), Foto: © Barbara Aumüller

Ein schön anzusehender Liebesgott in Gestalt der Musikerin und Schauspielerin Anna Fusek. Mal listig, mal traurig, mal rabiat, pantomimisch nuanciert, lenkt sie betörend die Verwirrspiele mal vom schmalen Bühnensteg aus, mal aus dem Publikum. Sinneslust pur.

“Alle sind verrucht, die an Amor glauben”

Calisto (Kallisto), die Schöne, ein Mensch, eine Nymphe im Gefolge der Jagdgöttin Diana, wird als Erste Amors Opfer sein. Giove (Jupiter) kommt zunächst als fürsorglicher Obergott. Er bedauert den Zustand der Welt, den der Krieg zwischen Göttern und Menschen angerichtet hat, und will helfen. Die Erde ist verbrannt und kahl. Er erspäht Calisto. Sie klagt über die ausgetrockneten Quellen und gibt Giove die Schuld. Der weibertolle Gott will ihr imponieren und lässt ad hoc die Quellen sprudeln. Natürlich will er nicht nur beeindrucken, sondern naschen.

Anna Fusek (Amore) und Christiane Karg (Calisto), Foto: © Barbara Aumüller

Aber Calisto, die Keuschheit schwor, verweigert sich. Gioves Sohn Mercurio (Merkur), Schutzpatron der Kaufleute und des Handels, aber auch der Diebe und Lügner, rät zur List, zur Täuschung, zur göttlichen Metamorphose. Giove verwandelt sich in die Gestalt der Göttin Diana, der Jagd- und Mondgöttin, Göttin der Keuschheit. Wohlgemerkt – es ist seine Tochter mit Giunone (Juno). Das ist besonders infam von dem verwandlungsgeübten Gott, der oft denen, die er begehrt, als Tier erscheint: bei Europa als Stier, bei Leda als Schwan, bei Ganymed als Adler. Calisto merkt den Betrug nicht und lässt sich von der vermeintlichen Göttin küssen und noch mehr. Der Gott schwängert sie.

“Betrogen von Jupiters Liebesglut”

Der römische Dichter Ovid (43 v. Chr bis um 17 n. Chr) hat in den “Metamorphosen”, seinem 15bändigen Meisterwerk, auch die Geschichte von Kallisto erzählt. Giovanni Faustini (1615 bis 1651), der Librettist der Oper “La Calisto”, verknüpft zwei antike Mythen miteinander, “die ursprünglich nichts miteinander zu tun haben”, sagt der Librettoforscher Albert Gier. Aber Diana tritt in beiden auf, allerdings in unterschiedlichen Rollen. Calisto gegenüber ist sie hart und streng und verbannt sie. Sie selbst, die Hüterin der Keuschheit, verliebt sich in den schönen Hirten Endimione (Endymion). “Faustini war der Erfinder solcher, in der venezianischen Oper des 17. Jahrhunderts sehr beliebten Doppelintrigen, die den Vorteil haben, vier etwa gleichwertige Hauptrollen zu ermöglichen” (Albert Gier).

Luca Tittoto (Giove) und Christiane Karg (Calisto), Foto: © Barbara Aumüller

Francesco Cavalli (1602 bis 1676) kleidete dieses Drama in Musik. Er komponierte schnell, auch noch während Librettist Faustini probte. Die Uraufführung war in Venedig und könnte im Herbst 1651 oder im Frühjahr 1652 gewesen sein. Letzteres Datum entspräche dem venezianischen Karneval. Als Karnevalsoper wird daher “La Calisto” auch bezeichnet. “Die Freiheit Venedigs billigt alles … Die berühmte Freiheit Venedigs zieht die Fremden haufenweise an, die Lustbarkeiten und die Vergnügungen halten sie dort fest und erschöpfen ihre Börse” schrieb der Wissenschaftler Alexandre Toussaint de Saint Didier 1680 in “La ville et la République de Venise”. Suffisant führt er das Beispiel des Herzogs von Savoyen an, der unter falschem Namen verschwenderischen Aufwand trieb.

Luca Tittoto (Giove) und Daniel Schmutzhard (Mercurio), Foto: © Barbara Aumüller

Cavalli hiess ursprünglich Giovanni Battista Caletti und war der Sohn eines Domkapellmeisters. Seine schöne, vielgerühmte Knabenstimme faszinierte den Statthalter von Venedig Federico Cavalli, der den Vierzehnjährigen mit in die Lagunenstadt nahm. Dort erhielt er die beste musikalische Ausbildung und war Schüler von Claudio Monteverdi. Er dankte seinem Förderer, indem er seinen Namen annahm und bis zum Lebensende San Marco als Tenorsänger, Organist, Kapellmeister und Komponist verpflichtet blieb.

“Alle Männer sind verrückt”

Das Künstler-Gespann Faustini-Cavalli konzentrierte sich auf die Liebesintrige, auf die Paare Diana – Endimione und Giove – Calisto. Und es geht ihnen um zwei verschiedene Spielarten der Liebe. Beim ersten Paar ist es himmlische Liebe, die sich in Küssen und Träumen erschöpft, beim zweiten Paar geht es um irdische Liebe, die im Geschlechtsakt endet. Beide nähern sich jedoch an, beziehungsweise ihre Liebe unterliegt auch einer Metamorphose: Mondgöttin Diana muss vom Sternenhimmel steigen, um ihrem keuschen Geliebten, den sie in ewigen Schlaf versenkte, nahe zu sein. Sie gibt sich also irdischer Liebe hin, Calisto wird zum Sternbild und ist so dem Geliebten nahe. So wird die Liebe himmlisch.

Brenda Rae (Giunone), Foto: © Barbara Aumüller

Wie kommt es dazu? Giunone (Juno), Jupiters Gemahlin, hat natürlich den Betrug ihres Mannes schnell erkannt. Aber nicht ihn straft sie, sondern Calisto. Und das sehr hart, obwohl die junge, unschuldige Nymphe betrogen wurde, einer Vergewaltigung zum Opfer fiel. Sie lässt Calisto durch die Furien quälen und verwandelt sie in eine Bärin. Daraufhin verspricht Giove ihr eine weitere Metamorphose: als Sternbild wird sie neben ihm Göttlichkeit erlangen.

“Alle Frauen sind verrückt”

“Rollen- und Partnertausch, aber mit Rückverwandlungsgarantie, für zwei Wochen, eine Nacht, eine Stunde, einen Rausch: her damit – nur bitte danach weiter wie  bisher, um eine Erfahrung reicher, ein bisschen Krise als Chance” – das schrieb Jan Bosse im Programmheft zur Baseler Inszenierung von “La Calisto” 2010.

Jan Bosse (1969 geboren), Hausregisseur am Berliner Maxim Gorki-Theater, aktiv an Züricher und Basler Theatern, inszenierte in Frankfurt während der Intendanz von Elisabeth Schweeger Werner Schwabs sogenanntes Fäkaliendrama “Die Präsidentinnen” mit Karin Neuhäuser. Eine grandiose Inszenierung.

Nach “L’Orfeo” von Monteverdi ist “La Calisto” von Cavalli nun seine zweite Operninszenierung, zunächst am Theater Basel und nun an der Oper Frankfurt, genauer im Bockenheimer Depot. Sie wurde neu einstudiert im Bühnenraum von Stéphane Laimé, der seit 14 Jahren für Bosse entwirft (und 2011 “Bühnenbildner des Jahres” wurde) sowie in den Kostümen von Kathrin Plath. Grandios Laimés Idee mit den Wasservorhängen, auf denen erotische Videoinstallationen projiziert werden.

Mitgebracht hat Bosse aus Basel Anna Fusek als Amore,  Luca Tittoto als Giove und Flavio Ferri-Benedetti als Linfea.

“Ich möchte vernascht werden”

Die Spielstätte Bockenheimer Depot ist ideal für dieses frivole, sinnliche Verwirrspiel. Männer und Frauen sitzen sich in zwei Zuschauerblöcken gegenüber, strikt getrennt durch den Bühnensteg. Und die Protagonisten tummeln sich, je nach Gelüsten, mal in dem einen, mal im anderen Block.

Linfea (Lynfea), zum keuschen Gefolge Dianas gehörend, dreht plötzlich durch, entledigt sich ihres weissen, wallenden Gewandes, stürzt sich im kurzen Leopardenkostüm auf die Tribüne der Männer und sucht und findet einen männlichen Schoss. “Ich möchte vernascht werden.”

Flavio Ferri-Benedetti (Linfea) und Christopher Robson (Satirino), Foto: © Barbara Aumüller

Amore leistet tolle Arbeit. Sie hetzt den kleinen Satyr, ein Mischwesen aus Mensch und Tier, auf Linfea, die natürlich angewidert ist.

Das Publikum kommt aus dem Staunen nicht heraus, auch wenn man bedenkt, wie alt diese Geschichte beziehungsweise dieser Text ist und – wie modern. Jacques Offenbach könnte sich hier Ideen geholt haben und auch Mozart: das Duo Jupiter und Merkur erinnert an Don Giovanni und Leporello.

Ein Heidenspass, der dank einer glänzenden Regie nichts mit Klamotte zu tun hat.

Die Musik: eine Entdeckung

Francesco Cavalli, der mehr als 30 Opern schrieb, war damals der führende Opernkomponist Italiens und damit Europas. Selbst seinen Lehrer Monteverdi übertraf er mit seinen musikalisch-durchstrukturierten Formen. “Welche Oper stellt so offen wie diese Sinnlichkeit und Sexualität in den mannigfaltigsten Formen dar?” fragt Dirigent René Jacobs im CD-Booklet von “La Calisto” (2005).

Cavalli begeistert durch Nuancenreichtum der Stimmen: da ist der leidenschaftlich-verzweifelte Sopran der Calisto, der dramatische von Diana und der fast hysterische, in Koloratur sich steigernde von Giunone.

Jenny Carlstedt (Diana), Foto: © Barbara Aumüller

Nymphomanin Linfea wird von einem Countertenor gesungen, der sich auf Travestierollen spezialisiert hat. Der kleine Satyr ist auch ein Countertenor mit hoher Stimmlage. Das Mischwesen Pane (Pan), der Hirtengott, singt manchmal überdreht in seiner Tenorstimmlage. Weich, zart, poetisch-träumerisch ist die Stimme von Endimione, Dianas Liebhaber, “des männlichen Altisten” (René Jacobs). Zwei Basspartien sind dabei: Panes Begleiter Silvano imponiert mit ruppigem Bass. Gioves Klangfarbe ist dagegen locker, verführerisch und steigert sich als Diana ins Falsett. Sein Helfershelfer, Sohn Mercurio, ist ein kecker Bariton wie Leporello. Selten ist so viel stimmliche Vielfalt zu hören.

Nur Amore, Anna Fusek, singt nicht, spielt Flöte und Geige und eilt beweglich durch alle turbulenten Liebesspiele, die er entfachte, und die ein grandioses Sängerinnen- und Sängerteam spielfreudig realisiert: allen voran Christiane Karg als Calisto, Luca Tittoto als Giove, ein italienischer Casanova, Daniel Schmutzhard als Mercurio, Jenny Carlstedt als Diana, Brenda Rae als Giunone, Valer Barna-Sabadus als Endimione, Flavio Ferri-Benedetti als Linfea, Martin Mitterrutzner als Pane, Florian Plock als Silvano, Christopher Robson als Satirino und als Chor das Ensemble Barock vokal der Hochschule für Musik in Mainz.

Last not least dirigiert – sehr einfühlsam, spritzig und fein – der englische Barockspezialist Christian Curnyn die wenigen Musiker  des Frankfurter Opern- und Museumsorchesters vom Cembalo aus.

Anna Fusek (Amore), Foto: © Barbara Aumüller

Selten besinnt sich Amore und hält inne.

Den Sternenhimmel am Ende produziert das Publikum mit kleinen, in der Pause verteilten Lampen.

Weitere Vorstellungen der Oper Frankfurt am 2., 4., 6. und 7. Januar 2012. Ort des Geschehens: das Bockenheimer Depot, jeweils um 19.30 Uhr.

Öffnungs- und Sprechzeiten:

Samstag, 28. Januar, von 15 bis 19 Uhr und
Sonntag, 29. Januar, von 16 bis 19 Uhr.

Die Themenkreise:

DEMOKRATIE UND FREIHEIT

GLOBALE PHÄNOMENE

ÖKONOMIE UND GERECHTIGKEIT

Anmeldung möglichst eine Stunde vor Beginn der Sprechstunden im Frankfurter Kunstverein

(Foto: FeuilletonFrankfurt)

Über die Weihnachtstage waren wir zu Gast im Städel Museum, bei den Alten Meistern, genauer gesagt bei drei Madonnendarstellungen. Nun naht das “Neue Jahr”, und nicht nur deshalb begeben wir uns zu “neuer Kunst”, genauer gesagt zu zeitgenössischen Künstlerinnen und Künstlern, deren Arbeiten der Frankfurter Kunstverein unter dem Titel “Arte Essenziale” präsentiert – noch bis einschliesslich 1. Januar 2012. Es sind also nur noch ein paar Tage Zeit, genug jedoch, diese überaus sehenswerte – wenn auch etwas anstrengende – Ausstellung zu besuchen.

Arte essenziale – essenzielle, also grundlegende, wesentliche, unabdingbare Kunst? Was ist das?

Zunächst einmal gilt es, betont Holger Kube Ventura, Direktor des Kunstvereins, sehr genau hinzusehen auf das, was vor uns liegt, also das Material zu erforschen und zu definieren, um als Betrachter die Materialität der Objekte als Kunstwerke in ihrem räumlichen und zeitlichen Kontext zu erfassen, zu verstehen und auch zu hinterfragen. Federico Ferrari, Professor für Philosophie der Kunst an der renommierten Mailänder Accademia di belle Arti di Brera und Kurator der gemeinsam mit der Collezione Maramotti realisierten Ausstellung, auf den der Begriff Arte essenziale zurückgeht, sucht nach dem “Ursprung künstlerischer Praxis unter besondere Berücksichtigung des Wesens der künstlerischen Geste”. Er misst dabei dem künstlerischen Ausgangsmaterial eine entscheidende Bedeutung zu. Alltägliche, banale Materialien (wir denken an die Arte povera) können dabei zu “symbolisch aufgeladenen” Materialien wie zum Beispiel Marmor oder Bronze in Beziehung treten und einen neuen Sinnzusammenhang erschliessen.

Karla Black, “Nature Does The Easiest Thing”, 2011, Ausstellungsansichten

Gleich im offenen Treppenhaus empfängt uns eine an der Decke befestigte, über elf Meter an Länge messende Arbeit der 1972 in Alexandria (Schottland) geborenen Karla Black, die in Glasgow lebt und arbeitet. Kleine quadratische Folien aus Polyethylen, mit zart pastellfarbenem Kreidestaub bedeckt, hat sie aneinander geknüpft. Die hauchdünnen Materialien sind in ununterbrochener Bewegung, allein schon die normale Thermik in dem Treppenhaus lässt sie niemals zur Ruhe kommen. Der Kreidestaub auf den knitternden und sich kräuselnden Folien bringt zarte, zerbrechliche Strukturen zum Vorschein, die sich von Sekunde zu Sekunde verändern. Der von der halbkreisförmigen Treppe über die Etagen gebildete Raum gewinnt eine neue Dimension und eine neue Ästhetik.

Francesco Gennari, “Degeneration of Parsifal (Nativity)”, 2005-2010, Ausstellungsansichten

Eine wunderbare Kreation des 1973 in Pesaro geborenen Francesco Gennari, der dortselbst sowie in Mailand lebt und arbeitet: Ein Quader aus Mehl, mit 80 kg dem Körpergewicht des Künstlers entsprechend, wurde zunächst durch vier spiegelblanke Stahlplatten und Schraubzwingen zusammengepresst und -gehalten, die sodann gelöst wurden und nunmehr auf dem Boden liegen. Der Würfel aus der instabilen Masse Mehl erodiert an den Rändern und bildet tiefe Risse, die abgespalteten Teile “stürzen” herab wie etwa (dieser Tage geschehen mit einem zu beklagenden Todesopfer) Kreidefelsen auf Rügen. Eine die eigene Person und Existenz als Künstler reflektierende Arbeit, eine Metapher für Eingesperrtsein in überwiegend behüteter Bürgerlichkeit und einer – der Schutzlosigkeit ausgesetzten – künstlerischen Freiheit.

Karla Black, “Persuader Face”, 2011, (im Hintergrund “What To Ask Of Others”, 2011), Ausstellungsansicht

Karla Black, “What To Ask Of Others”, 2011

Und noch einmal Karla Black: Wunderbar auch zwei weitere ihrer Arbeiten , die in einem räumlichen Zusammenhang präsentiert werden. Auf dem Boden breitet die Künstlerin einen “Teppich” aus, er soll aus Make up-Puder in einem warmen, zarten Rosa bestehen (nach anderer Ausführung aus gefärbtem Gipspulver). Der Belag franst an den Rändern aus, bedeckt zunächst kaum wahrnehmbare, bei längerem Hinsehen aber immer deutlicher erkennbar werdende Strukturen. Wir denken an die Blütenstaub-Arbeit von Wolfgang Laib seinerzeit im MMK. Man bückt sich nieder, ist versucht, den “Teppich” mit den Fingern zu berühren, zu erkunden.

Ähnlich die Wandarbeit aus einer hauchdünnen, mit Kreidestaub bedeckten Folie, wiederum aus Polyethylen, einem trotz seiner Zartheit als widerstandsfähig und belastbar bekanntem Material. Assoziationen stellen sich ein: an Brautkleider, Schleier über Kinderwiegen, festlich dekorierte Tafeln und Räume. Auch diese Folie ist, der Luftzirkulation im Saal geschuldet, in ständiger Bewegung, reagiert sofort auf die einen Luftzug erzeugende Annäherung des Betrachters, weicht ihm aus oder kommt ihm entgegen. Jede Erscheinungsform in einer Millisekunde ist vergänglich, kehrt nie mehr wieder.

Gianni Caravaggio, “Shortly Before the Solar System”, 2008

Der studierte Bildhauer und Philosoph Gianni Caravaggio, 1968 im Dörfchen Rocca San Giovanni in den Abruzzen geboren, lebt und Arbeitet in Mailand und Stuttgart. Auf dem Boden ein an einen noch nicht gerundeten, mit Kratern übersäten Himmelskörper erinnerndes, etwa eineinhalb Meter hohes kugelähnliches Objekt aus Styropor, bei dem optische Massigkeit und physikalische Leichtigkeit des Materials in einem offenen Widerspruch stehen, darauf eine kleine Skulptur aus neun Kugeln unterschiedlicher Grösse und Materialität wie Bronze, Zink, Aluminium oder auch Soja. Dieses in sich schon fragile Gebilde – es könnte auf die nach älterer Definition neun Planeten des Sonnensystems anspielen – lagert unbefestigt in einer der kraterförmigen Vertiefungen des bodenstehenden Objekts. Instabilität, Zufälle auch im Universum? Oder ein spielender Creator, Demiurg?

Thea Djordjadze, “I trust the liar. With pleasure, tea”, 2011, Ausstellungsansichten

Thea Djordjadze, eine 1971 in Tiflis geborene Installations- und Objektkünstlerin, lebt und arbeitet in Berlin. Sie konstruiert einen häusliche Situationen zitierenden Raum aus den harten Materialien Stahl, Glas und Spiegeln, den sie mit wohnlichen, gleichsam “warmen” Objekten wie Teppichen und Decken oder auch gefässartigen Gebilden aus Keramik oder Ton ausstattet. Die Jalousie des Fensters ist heruntergelassen. Der Raum verharrt in einem “unfertigen” Zustand – wird hier etwas errichtet oder abgebrochen? Konstruktion wie Dekonstruktion spielen in der gezeigten Arbeit ebenso eine Rolle wie räumliche Inszenierungen, die beim Umschreiten der Installation erfahrbar werden.

Wir schauen aus einem der Installation benachbarten Fenster, mitten hinein in die umbrechende Stadtlandschaft. Und wenden uns wieder zurück zu Thea Djordjadzes Raumschöpfung.

Ausstellungs-Aussicht (durch ein Fenster des Ausstellungssaals auf Dom, Grossbaustelle “Altstadtbebauung” mit Graffiti-Zaun und Schirn Kunsthalle)

“Arte Essenziale” zeigt ausserdem Arbeiten von Alice Cattaneo, Jason Dodge, Ian Kiaer und Helen Mirra. Die Künstler haben ihre Werke im Auftrag der Collezione Maramotti in Reggio Emilia für die Ausstellung produziert. Nach einer ersten Präsentation in der Collezione Maramotti, dem von Achille Maramotti (Max Mara) begründeten Museum für zeitgenössische Kunst, wird “Arte Essenziale” derzeit – noch bis 1. Januar 2012 – im Frankfurter Kunstverein gezeigt.

(Fotos: FeuilletonFrankfurt)

“Daphne” von Richard Strauss an der Oper Frankfurt

Eindrücke von Renate Feyerbacher

Eine alte Frau betritt zögernd die Bühne und schreitet durch die hohen, heruntergekommenen Räume. Claus Guth, der Opernregisseur, bekannt für seine psychologischen Interpretationen, lässt die gealterte Daphne den Ort ihrer Kindheit und Jugend, wo der Missbrauch stattfand, aufsuchen. “Der Tag, der sie veränderte, sie erstarren liess, taucht wiederum vor ihren Augen auf.” Das Thema beschäftigt derzeit unsere Gesellschaft landauf, landab. Es sind viele, die zur Zeit aus ihrer Erstarrung aufwachen, sich erinnern und reden wie der Frankfurter Schriftsteller Bodo Kirchhoff: “Keinem der Betroffenen sieht man an, wie viel in ihm kaputt ist.”

Dieser Gedanke schwebt über der Aufführung.

In der griechischen Mythologie erstarrt Daphne, die Nymphe, zum Lorbeerbaum, als Gott Apollo hinter ihr her ist und nicht von ihr ablässt. Das Thema hat Schriftsteller (Ovid, Petrarca, Martin Opitz, Sylvia Plath, Sarah Kane – beide Dichterinnen nahmen sich das Leben – ), Komponisten (Monteverdi, Gluck, Mozart), Maler, Philosophen und Psychoanalytiker wie Sigmund Freud nicht losgelassen. Freud interpretierte die Geschichte als Deflorationsangst des Mädchens und Feindseligkeit gegenüber dem Mann, die krankhafte Züge annehmen kann.

Lance Ryan (Apollo), Daniel Behle (Leukippos) und Maria Bengtsson (Daphne); Bildnachweis: Oper Frankfurt, Foto: © Barbara Aumüller

Richard Strauss war ein Freund Griechenlands. 1892 besuchte er die Insel Naxos, auf der Dionysos, Gott des Weines, geboren und verehrt wurde. Auch Ariadne lebte hier. Richard Strauss schuf zusammen mit Hugo von Hofmannsthal die Oper “Ariadne auf Naxos”. Auch diesmal wollte der Komponist mit Hofmannsthal die “Daphne” erarbeiten, aber der Freund starb unerwartet 1929. Stefan Zweig übernahm die Librettistenaufgabe, aber die Nazis liessen dieses Bündnis von Komponist und Dichter nicht zu. Zweig empfahl Joseph Gregor, einen Bücherwurm, Bibliothekar und Archivar, der die Theatersammlung der Österreichischen Nationalbibliothek gegründet hatte und sich hin und wieder als Poet betätigte. Die Briefe, die Strauss ihm schrieb, zeugen von der mühsamen Arbeit am Libretto. Er forderte laufend Veränderungen und sprach von “schlecht imitiertem Homerjargon”. Er liess das Projekt schliesslich zu mit den Worten, “dass aus dem hübschen Sujet und manchen hübschen Details der Bearbeitung nicht doch noch ein netter Einakter werden kann”. “Daphne”, die bukolische Tragödie in einem Akt, wurde am 15. Oktober 1938 in der Semper-Oper in Dresden uraufgeführt. Bukolik ist die griechische Hirtendichtung.

Lance Ryan (Apollo) und Maria Bengtsson (Daphne); Bildnachweis: Oper Frankfurt, Foto: © Barbara Aumüller

Die Oper beginnt mit den Vorbereitungen auf das Dionysos-Fest. Leukippos, der Jugendfreund, umwirbt Daphne und kommt ihr nah, doch sie schreckt plötzlich zurück. Mutter Gaea, mythologisch Mutter Erde, ist besorgt. Apollo, verkleidet als Hirte, ist von dem jungen schönen Mädchen (Nymphe) angezogen. Daphne ist berührt von seinen Liebesworten, umarmt und küsst ihn, dann schreckt sie vor Angst zurück. Beim Fest erscheint Leukippos als Mädchen verkleidet, um Daphne nahe zu sein. Diese Entweihung des Festes und der Betrug erzürnen Apollo: Er stört mit Donner und Blitz die Festlichkeiten und stellt den jungen Nebenbuhler zur Rede. Daphne muss den doppelten Betrug erkennen. Leukippos befreit sich selbst von den Frauenkleidern, Apollo offenbart sich und fordert die Geliebte auf, mit ihm zu gehen. Als Leukippos ihn einen Lügner nennt und Daphne sich weigert, mitzugehen, kommt es zum Kampf. Apollo tötet Daphnes Jugendfreund und bittet die Götter um Vergebung. Daphne möchte er zurück gewinnen – nicht in Menschengestalt, sondern als immer grünenden Lorbeerbaum. Daphne verwandelt sich.

Der Text dieser musikalisch eindringlichen Oper erscheint manchmal verquast und artifiziell. Man muss sich auf die Musik konzentrieren mit ihren wunderschönen Momenten: “Hier sind behutsame Regungen und Stimmungen der Naturverbundenheit in Klänge gefasst, die man so leicht nicht vergisst”, schreibt Ernst Krause (zitiert nach dem Programmheft). Fasziniert ist er, wie Strauss Daphnes Verwandlung in den Lorbeerbaum musikalisch umsetzt, die sich in “schleierzartem Fis-Dur vollzieht, wie der Klang sich aus dem reinen Holz emporwachsend immer mehr in das viel verästelte Farbenflimmern der geteilten Streicher, der Harfe und der übrigen Instrumente auflöst … “, der Klang sich in den “vogelhaft-zwitschernden Koloraturen des frei schwebenden Soprans” fortspinnt. Das ist einmalig. Strauss hat mehr als einen netten Einakter geschaffen.

Maria Bengtsson (Daphne); Bildnachweis: Oper Frankfurt, Foto: © Barbara Aumüller

Claus Guths einleuchtende, psychologisch-durchgängige Regiearbeit steht im Einklang mit der musikalischen Realisation.

Die Schwedin Maria Bengtsson singt Daphne. Ihr zarter, lyrischer Ton begeistert, ihr Spiel ist eindringlich. Ihr einleitender Monolog “O bleib, geliebter Tag” lässt erahnen, welches Potential diese Stimme birgt, die in der Klage um den toten Freund einen Höhepunkt erreicht. Heldentenor Lance Ryan hat in “Daphne” sein Debüt als Apollo. Trotz gesundheitlicher Probleme am Premierenabend gab der Kanadier einen grandiosen Einstand an der Oper Frankfurt. Er verlieh diesem liebesbesessenen und machtorientierten Gott kraftvolle Töne, manchmal bewusst etwas schrill. Martin Behle ist Leukippos. Sein jugendlicher, strahlender Tenor, makellos in den Höhen, besticht.

Matthew Best als Vater Peneios und Tanja Ariane als Gaea überzeugen wie auch die anderen Sängerinnen und Sänger, die als Schäfer und Mägde agieren.

Generalmusikdirektor Sebastian Weigle und das Frankfurter Opern- und Museumsorchester musizieren sehr dynamisch: lebendig beim Fest, einfühlsam bei den Naturimpressionen.

“Daphne” – ein Opernabend, den man schon wegen Maria Bengtsson nicht verpassen sollte: Vorstellungen gibt es am 4., 10., 18., 23. und 25. April sowie am 19. und 26. Juni 2010, jeweils um 19.30 Uhr.

Als Exkurs und um es gleich vorweg zu nehmen: Wir halten es insofern mit dem ruhig abgewogenen, differenzierenden Urteil eines Frank Schirrmacher (“Ein fataler Irrweg” oder “Frau Merkel sagt, es ist alles gesagt”, Frankfurter Allgemeine Sonntagszeitung von 29. August bzw. 19. September 2010). Und auch mit dem provokanten, den Nagel aber auf den Kopf treffenden Kommentar eines Volker Zastrow “Körperzellenrock” in der Frankfurter Allgemeinen Sonntagszeitung vom 12. September 2010, der eine realitätsferne, sich vielfach im Weggucken und Wegducken erschöpfende “political correctness” der politischen Kaste geisselt. Denn leider und unbestreitbar gibt es einen nicht unerheblichen Anteil an Migranten in Deutschland, der sich integrationsfern bis integrationsverweigernd darstellt, mit allen sich daraus für die Gesellschaft wie auch für die Betreffenden selbst ergebenden absehbar negativen Konsequenzen.

Da sucht man verzweifelt nach Auswegen oder gar Lichtblicken. Und findet sie: in dem erfolgreichen Projekt “DeutschSommer” der Stiftung Polytechnische Gesellschaft Frankfurt am Main.

(Bildnachweis: “DeutschSommer”; Foto: D. Buschardt)

Das sehen auch andere so, beispielsweise die von der Bundesregierung und der Wirtschaft getragene, unter der Schirmherrschaft des Bundespräsidenten stehende Standort-Initiative “Deutschland – Land der Ideen” mit ihrem Wettbewerb “365 Orte im Land der Ideen”: Am 16. September 2010 zeichnete sie in einer Feierstunde in Frankfurt in Anwesenheit der hessischen Kultusministerin Dorothea Henzler den “DeutschSommer” als “Ausgewählten Ort 2010″ aus.

Dorothea Henzler, Kultusministerin des Landes Hessen, bei ihrem Grusswort zur Preisverleihung

“DeutschSommer – Ferien, die schlau machen”: eine geniale Idee, ebenso tatkräftig wie erfolgreich in die Praxis umgesetzt. Stellt die Bildungsförderung bereits eines der zentralen Anliegen der Stiftung dar, so steht die Sprachförderung und insbesondere das Bemühen um Sprachkompetenz bei Migrantenkindern im Fokus des Förderprogramms “DeutschSommer”. Das Projekt begann im Sommer 2007 zunächst in Frankfurt am Main. In diesem Jahr beteiligen sich erstmals auch die benachbarten Städte Offenbach, Hanau und Wiesbaden an ihm. Neben dem Amt für multikulturelle Angelegenheiten und dem Staatlichen Schulamt für die Stadt Frankfurt sowie der Volkshochschule und dem hessischen Kultusministerium unterstützen namhafte private Stiftungen als Partner das Projekt.

In der Zeit der hessischen Sommer-Schulferien erhielten 150 Frankfurter Schülerinnen und Schüler des dritten Schuljahrs mit gezieltem Förderbedarf im Deutschen eine intensive und ganzheitliche Förderung: über drei Wochen hinweg täglich zwei Stunden Deutschunterricht und zwei Stunden sprachintensives Theaterspiel. Lesen, Schreiben, Wortschatz und Grammatik stehen im Mittelpunkt der pädagogischen Arbeit in kleinen Schülergruppen mit bis zu zwölf Kindern, die in Jugendherbergen untergebracht werden. Am Nachmittag betreuen Sozialpädagogen die Kinder in einem anregenden Freizeitprogramm. Am Ende der drei Wochen führen die Kinder ein Theaterstück auf, zu dem auch die Eltern eingeladen werden (die denn auch sehr zahlreich erscheinen).

Der Erfolg ist messbar: viele der Kinder gelangen aus den schwachen in die guten Leistungsgruppen mit unterrichtsfähigen Deutschkenntnissen. Zugleich wächst bei den Kindern das Bewusstsein, ihre Sprachkenntnisse nach bestimmten Regeln selbst verbessern zu können, und das Vertrauen in die eigene Leistungsfähigkeit.

Aufbauend auf den “DeutschSommer” folgt im Januar in der letzten Woche der Weihnachtsferien das Projekt “Endspurt” im Schullandheim “Wegscheide” der Stadt Frankfurt am Main, wiederum mit Deutschunterricht, sprachintensivem Theaterspiel und einem begleitenden Freizeitprogramm. Dreierteams – sie bestehen jeweils aus einer Lehrkraft für Deutsch als Zweitsprache sowie einem Theater- und einem Sozialpädagogen – betreuen Gruppen mit maximal 14 Kindern rund um die Uhr.

Ein zweitägiges Fortbildungsseminar “3x Deutsch: Sprache, Theater, Freizeit” schliesslich richtet sich an Lehrer der Schüler der Klassen 3 und 4, die am “DeutschSommer” teilgenommen haben. Es vermittelt praxisnah die erfolgreiche Methodik des “DeutschSommers” für den Einsatz im Schulalltag.

“DeutschSommer”-Kinder des Jahres 2010 bedanken sich für den Applaus des Publikums der Preisverleihung

Es ist unbestreitbar: Sprachkompetenz ist eine zentrale Voraussetzung für eine gelingende Integration von Migranten. Die Stiftung Polytechnische Gesellschaft Frankfurt am Main hat dies vor langem erkannt und mit ihrem erfolgreichen Projekt “DeutschSommer” entsprechend gehandelt.

(Fotos von der Preisverleihung und der sie begleitenden Ausstellung: FeuilletonFrankfurt)

Nun läuft, parallel zur Hauptausstellung, auch “En Passant” am 29. Mai 2011 aus, aber die Installation der Künstlergruppe mit dem bemerkenswert findig-listigen Namen sollte keineswegs in Vergessenheit geraten.

Eine Art Pandämonium, den Türhütern des Höllenrachens nur wenig nachstehend, scheint die Besucher zu empfangen, wenn sie sich – mit oder ohne Furcht und Grusel – anschicken, die obere Ausstellungsetage zu erklimmen. Doch gemach, sassen wir zur Jugendzeit nicht allzu gerne zur Kirmes in den damaligen “Geisterbahnen”, in denen sich spukhafte, wimmernde Torsi und skelettierte Wesen, vom Seufzen ewiger Verdammnis verfallener Seelen begleitet, über uns beugten, uns berührten und uns im nur langsam voranzuckelnden Wägelchen gar nachfolgten?

Verdrehte, verstümmelte Körper, abgeschlagene und aufgespiesste Köpfe, zerfetzte Gliedmassen sind unsere Wegbegleiter beim Aufstieg, kopflose Gespenster schweben auf uns herab, mächtiges, krakenarmhaftes Gedärm bedrängt und aus der Höhe. Eine in üppige Brokat- und Seidenstoffe gehüllte geheimnisvolle Dame küsst, wie der nächtlich gaukelnde Schmetterling dem tödlich heissen Licht der Glühbirne verfallen, eine grell-leuchtende Lampe. Ungewohnte Geräusche und Lichteffekte testen Schreckhaftigkeit und Nervenkostüm des redlich-nichtsahnenden, zur Ausstellung strebenden Kunsthallenbesuchers.

An die 40 skulpturale Elemente hat die Künstlergruppe im Treppenaufgang installiert; sie verschiebt, wie die SCHIRN betont, bewusst die Grenzen zwischen Ausstellungs- und Erlebnisort, zwischen (Alb-)Traum und Wirklichkeit.

Und doch ist all der inszeniert-durchschaubare Schrecken ein Fest der Sinne.

Zac Dempster, Mitglied der Künstlergruppe et all.*, im Interview mit dem SCHIRN Magazin: “Um einen harten Kern von sieben Leuten gibt es einen sich ständig verändernden Kreis aus Freunden, Bekannten und Neugierigen, die alle etwas zu unserer Arbeit beisteuern. Einige kenne ich noch von meiner Zeit aus New York, andere stiessen über Paris und Boston zu uns, die meisten trafen wir in der Frankfurter Städelschule oder auf Partys … Wir entwerfen begehbare Boxen, Nichträume, Traumwelten …”

Und weiter: “Obwohl wir uns nie mit den Surrealisten direkt vergleichen würden, schaffen auch wir irreale Orte, in die man aus der Realität eintritt, aber auch wieder verlassen muss. Diese Phase des Überganges ist uns besonders wichtig und hat uns zur ‘En Passant’ im Treppenhaus der SCHIRN inspiriert … Bei ‘En Passant’ war für uns vor allem interessant, dass die Besucher keinen abgeschlossenen Raum betreten, sondern eine Passage durchlaufen müssen, um zur Ausstellung ‘Surreale Dinge’ zu gelangen … All diese Eindrücke und Einflüsse strömen auf den Besucher ein, der sich eigentlich auf dem Weg in eine andere Ausstellung befindet. Es wird spannend, zu sehen, wie die Leute reagieren werden auf diesen verstörend wunderschönen Moment. Für uns ist ‘En Passant’ damit eine interessante Vorbereitung auf ‘Surreale Dinge’ “.

Künstlergruppe et al.* : Nicholas Vargelis, Zac Dempster und Wendell Seitz

Wer nun aber glaubt, sich an der spukhaften Geisterwelt im Treppenaufgang einfach nur (wenn auch insgeheim schaudernd) erfreuen zu können, wird sich korrigieren müssen: Natürlich ist alles viel hintergründiger, als es vordergründig erscheinen mag, und Kunstgenuss ist nun einmal nicht zum “anstrengungslosen” geistigen Nulltarif zu haben.

Also heisst es in dem Statement der Künstlergruppe zu ihrer Arbeit in der SCHIRN: “Wenn Sie die Stufen der Schirn Kunsthalle hinaufsteigen, stellen Sie sich bitte vor, dass Sie vor dem Gemälde Antoine Carons ‘Das Massaker unter dem Triumvirat’ von 1566 stehen. Durch ein blutiges Enthauptungsritual gewinnen dort die aurei (römische Goldmünzen) an Wert. Auch im Schlachthof werden die Köpfe der Rinder, Lämmer und Schweine gezählt, obwohl es aber das Fleisch ihrer Körper ist, das die Menschen ernährt. Wir erinnern an Michel Leiris’ Idee der Selbstenthauptung, von der er besessen war und die wir mit Batailles erotischen Opferfantasien verbinden, die das Ordnungssystem seines blutigen Chaos beherrschen. Ist das Massaker einmal beschrieben, findet es seine Bewegung und seinen Zweck im surrealistischen Scherz über die Wirklichkeit und der L’amour fou.”

Und damit Sie nun am Schluss, geneigte Leserinnen und Leser, nicht länger gänzlich im Dunkeln herumtappen, liefern wir Ihnen hier das zitierte Gemälde des manieristischen Malers und Meisters der Schule von Fontainebleau, Antoine Caron (um 1521 bis 1599):

Antoine Caron, Das Massaker unter dem Triumvirat, 1566, Öl auf Leinwand, 117 x 200 cm, Musée du Louvre, Paris (Bildnachweis: wikimedia commons/The Yorck Projekt)

(Installation “En Passant”: © Künstlergruppe et al.*; Fotos: FeuilletonFrankfurt)

Sternenhimmel I und II, je 70 x 70 cm, Gouache / Acryl auf MDF-Platte

Klaus Straßheim – wir kennen den Künstler von früherer Gelegenheit her – spielt, bei aller Gestaltungskraft, mit dem Zufall, fordert ihn heraus und bändigt ihn zugleich, steht so in einem Dialog mit ihm.

Am Anfang stehen Fotografien, sie bilden die Grundlage für kompositorische Skizzen auf der weissen Malplatte, dann betätigt Straßheim die Sprühflasche, entlässt Farben auf den zunächst planen Malgrund, mit kleinen Holzkeilchen hebt er ihn seitlich zu einer schiefen Ebene an, die Farben fliessen, verströmen sich im Eigenleben, zur Gouache kommt hin und wieder ein Spritzer Acryl, dann lässt er die Tafel trocknen.

“Ich respektiere die Farbe”, sagt er. Er stellt die Malplatte aufrecht, im Prozess der weiteren Bearbeitung mit Farbe, im Wechsel von Abstand und Nähe, in steter Kritik bis hin zum Verwerfen des Erreichten beginnt der Dialog des Künstlers mit dem Bild.

Aufbäumendes Pferd, 90 x 50 cm, Gouache / Acryl auf MDF-Platte

Klaus Straßheim bevorzugt den quadratischen Malgrund als gleichsam neutrale Fläche. Eher zögernd nähert er sich dem – stabilen – Längs- und dem – labilen – Hochformat. Entgegen seiner sonstigen Gepflogenheit hat er die für die laufende Ausstellung im Nebbienschen Gartenhaus des Frankfurter Künstlerclubs ausgewählten Arbeiten betitelt.

Eisprinzessin I und II, je 75 x 75 cm, Gouache / Acryl auf MDF-Platte

“Kraft Farbe drängen innere Bilder ins Sichtbare. Strömen über, wollen nach aussen, die physische Grenze überwinden”, sagt Klaus Straßheim.

Noldes Blumenmeer V, 50 x 50 cm, Gouache / Acryl auf MDF-Platte

“Malen, das Spüren der Anspannung, der Aufbau von Elan, im Aktionsfluss sein”, beschreibt Straßheim seinen Arbeitsprozess. “Und immer wieder zurücktreten, inne halten. Wieder neu entwerfen, entdecken, dann verwerfen oder verstärken, ein Zulassen oder zurückweisen. Dem Bild etwas zumuten, schenken, nehmen. Wie im Leben, so beim Malen. Von aussen nach innen. Von innen nach aussen. Und wieder zurück. Von der Expression des Malens zur Impression des Betrachtens.

Sichtbares kann Verborgenes werden. Verborgenes kann sichtbar werden.”

Meeresleuchten, 100 x 100 cm, Gouache / Acryl auf MDF-Platte

Klaus Straßheim: “Das dialogische Malen hört so schnell nicht auf. Will doch das Bildgeschehen, ausgehend vom Fotomotiv, seinen eigenen Ausdruck in malerischer Abstraktion finden, Raum haben beim assoziativen Entfalten, beim In-die-Welt-Drängen. Anfang und Ende bedingen sich. Expression und Impression verströmen sich in Farbe und finden einen Klang, der Dialog wird zur Melodie, das trocknende Gemälde atmet ein neues Lied.”

Zum Licht, Diptychon, je 120 x 60 cm, Gouache / Acryl auf MDF-Platte

Klaus Straßheim, 1940 geboren, lebt und arbeitet in Niddatal-Ilbenstadt.

Ernst-Dietrich Haberland, Vorsitzender des Frankfurter Künstlerclubs, und Klaus Straßheim in der Vernissage (Foto: FeuilletonFrankfurt)

Die Ausstellung “Farbverströmung im Dialog” im Nebbienschen Gartenhaus läuft noch bis zum 21. November 2010.

Am Sonntag, 28. November 2010, 15 Uhr, eröffnet der Frankfurter Künstlerclub seine Gemeinschaftliche Weihnachtsausstellung.

(Werke und Werk-Fotografien © Klaus Straßheim)

“Geile Welt” reimt sich irgendwie auf “heile Welt”, so dachten wir, als wir uns auf den Weg zur Ausstellung machten  – schön wäre es, wenn wir es bei diesem Wortspiel belassen könnten. Dem aber ist nicht so, denn Sandra Manns Welt ist mindestens so unheil wie vielleicht eben gerade noch heil. Aber sehen Sie selbst, liebe Leserinnen und Leser:

Vielleicht, wir wissen es nicht, hat die amerikanische Fotokünstlerin Taryn Simon bei Sandra Manns Bild- und Textkompositionen ein wenig Pate respektive Patin gestanden – bei Simon bilden die sorgfältig verfassten und optisch gestalteten Texte einen integralen Bestandteil des Gesamt-Bild-Text-Kunstwerks. Machen wir die Probe auf’s Exempel: Wie hätten wir es bei “Weil beten nicht hilft” lieber, mit oder ohne Text? Ein Motiv, das sehr berührt, auch aufrührt. Das Denk-Räume eröffnet, wo Heil und Unheil sich begegnen. Das Zweifel – den stillen Bruder der Verzweiflung – weckt. Unsere Antwort: ohne ist besser. Denn wir wollen arbeiten, wenn wir uns der Kunst stellen, nicht konsumieren.

Jesus with Money (Mexico City), 2004, Vintage Pigment Druck auf Leinwand

Ein Prozent genetischer Unterschied (London), 2010, Vintage Pigment Druck auf Leinwand

Sandra Mann lenkt mit ihrer gleichsam leisen Fotografien unseren Blick auf das Wesen der Dinge, auf die eigentliche Welt hinter der uns sichtbaren. Eine eigentümliche Stille und Ruhe liegt über ihren Motiven, die bei anderer Betrachtung Empörung und Zorn über so manche gesellschaftlichen und politischen Verhältnisse provozieren müssten. Die Künstlerin ergreift in ihrer Fotografie auf eine sehr sensible Weise Partei, vermeidet die lautstarke Plakativität. Umso eindringlicher gelingt es ihr, uns mit ihrer Kunst ihre Botschaften zu vermitteln.

Al Kaida (Paris), 2004, Vintage Pigment Druck auf Leinwand

Chaneltüte (Frankfurt am Main), 2002, Vintage Pigment Druck auf Leinwand

Eine eigene Faszination entwickeln Sandra Manns Fotografien durch den Pigmentdruck auf Leinwand und die anschliessende Rahmung. Die Fotografie erfährt eine neue künstlerische Dimension und wird vom Betrachter in ihrer veränderten Bildhaftigkeit in einem anderen Kontext wahrgenommen. Die Schönheit, ja Musealität des neu entstandenen Werkes steht in einem spannungsreichen Kontrast zur mitunter abgründigen Realität der fotografischen Aussage: dem Wohlstandsmüll, der weltweit wachsenden Diskrepanz zwischen Arm und Reich, der damit einhergehenden Spaltung der Gesellschaft, der vom Menschen vergewaltigten Natur, dem zum Spielzeug pervertierten Kriegsgerät, der Erniedrigung der Frau zum Sexobjekt in der Werbung.

Puttinggreen (Worfelden), 2007, Vintage Pigment Druck auf Leinwand

Skiny (Mexico City), 2005, Vintage Pigment Druck auf Leinwand

Seduction / Attack Helicopter (Wien), 2011, Vintage Pigment Druck auf Leinwand

“Geile Welt”? Ach ja, auch diese, im vermutlich engeren Sinn, kommt nicht zu kurz: in Foto-Collagen mit den Herren Dominique Strauss-Kahn, Silvio Berlusconi, Arnold Schwarzenegger und Roman Polanski.

Sandra Mann, Jahrgang 1970, studierte an der Frankfurter Johann-Wolfgang-Goethe-Universität Kunstgeschichte und anschliessend an der Hochschule für Gestaltung HfG Offenbach Visuelle Kommunikation (Malerei, Bildhauerei, Digitales Bild, Experimentelle Raumkonzepte und Freie Fotografie) mit dem Diplom Visuelle Kommunikation. Seit 1998 stellt die Künstlerin regelmässig aus, in den letzten fünf Jahren neben Frankfurt am Main und  den grösseren Städten Deutschlands unter anderem in Antwerpen, Helsinki, Istanbul, Kapstadt, Los Angeles, Mailand, Rom, Washington und Wien. Sie erhielt zahlreiche Preise und Stipendien. Werke befinden sich in öffentlichen und privaten Sammlungen, unter anderem im Frankfurter Museum für Moderne Kunst und in der Kunsthalle Mannheim.

Eine überaus sehenswerte Ausstellung in der Oberfinanzdirektion Frankfurt, bis 6. Oktober 2011. Das Künstlergespräch mit Sandra Mann am 25. August 2011, 17 Uhr, sollte man nicht versäumen.

(Fotografien: Archivbilder Sandra Mann, gerahmte Ausstellungsansichten FeuilletonFrankfurt)

Julian Lee, Subcontinents (The coming of Asia), 2009, Öl / Acryl auf Leinwand, 190 x 150 cm (Foto: FeuilletonFrankfurt)

Manchmal muss man sich zur Kunst an dafür unvermutete Orte begeben. Zum Beispiel den Frankfurter Riedberg “erklimmen” und den dortigen weitläufigen Zweit-Campus der Goethe-Universität aufsuchen, wo bekanntlich die Welt der Biologie, Chemie, Mathematik und Physik zuhause ist, sich zum Biozentrum durchfragen, dann unter Mitwirkung mehrerer hilfreicher Menschen das Gebäude 101 auffinden und betreten, den Weg in die erste Etage nehmen und: ja, dann ist man am Ziel seiner nicht ganz unbeschwerlichen Reise zur Kunst angelangt, dem “KunstRaum Riedberg” im Dekanat der Fachbereiche Biochemie, Chemie und Pharmazie. Beileibe nicht jeder Frankfurter Kulturmensch wird ihn kennen, unter den Kenntnislosen sicher auch solche Zeitgenossen, die ihn eigentlich kennen müssten, ist dort doch die bereits siebte Kunstausstellung seit seiner Eröffnung im Sommer 2009 zu sehen. Aber wer vermutet schon, pardon, Kunst bei Biologie, Chemie oder Physik, gar Pharmazie, jedenfalls auf den ersten Blick?

Nun, da wir unser Wissen möglichst täglich erweitern wollen, begaben wir uns also unlängst in besagten Raum nebst Flurbereich im äussersten Frankfurter Nordwesten, der von Carsten D. Siebert kuratiert wird. Dies fiel uns allerdings umso leichter, als wir dort einen Maler anzutreffen wussten, dessen Arbeiten uns bereits vor längerem aufgefallen sind, ja faszinierten: Julian Lee.

Highly accurate shapes, 2011, Öl auf Leinwand, 50 x 40 cm

Heimreise, 2011, Öl auf Leinwand, 50 x 40 cm

Julian Lee, 1972 in Liverpool geboren, studierte von 1989 bis 1991 am Southport College of Art und von 1996 bis 2000 an der Universität in Newcastle mit dem Abschluss Bachelor of Art. 2001 übersiedelte er nach Deutschland. Lee erhielt zahlreiche Preise und stellte in Einzel- und Gruppenausstellungen in Deutschland wie auch europa- und weltweit aus. Seine Arbeiten sind in internationalen privaten Sammlungen vertreten. Der Künstler lebt und arbeitet in Frankfurt am Main.

Neubau, 2009, Öl auf Leinwand, 180 x 180 cm

Es sind zunächst einmal und nicht nur vordergründig die Farben, die uns faszinieren, die verschiedenen Grüns, die Kombinations- und Variationsvielfalt dieser Grün- mit den Blaustufen, eine im Grunde nicht ganz unproblematische Gegenüberstellung der beiden im Lichtspektrum benachbarten und ineinander übergehenden, in der Verschmelzung im unreinen Türkis verschwimmenden Farben, zumal auch das Grün – und gerade in seinen vitalen bis hin zu den grellen Tönungen – offensichtlich von vielen Malern gemieden wird.

Und es sind zum anderen sowohl der Kontrast wie zugleich eine spannungsreiche Harmonie, mit der sich in Julian Lees Malerei geometrische, an Kristalle, aber auch an Architekturen erinnernde, gewissermassen geordnete Formen mit sozusagen ungeordneten, vital und vegetativ wuchernden begegnen, miteinander in einen Diskurs treten, der sich bis hin ins Unendliche verschwebt.

Nocturnal, 2010, Öl auf Leinwand, 110 x 90 cm

The Night, 2008, Öl auf Leinwand, 160 x 100 cm

Lees Malerei führt uns in fantastische Welten, die oft in besagten kristallinen und geometrischen Strukturen, auch in architektonischen Konstruktionen ihren Ausgang nehmen. Sie begegnen mal naturalistisch anmutenden, mal in der künstlerischen Fantasie geborenen Landschaften: Bäumen, Büschen und Sträuchern, begrünten Flächen, Teichen, Hügeln und Tälern. Menschen oder Tiere fehlen in diesen Räumen, der Homo sapiens hat seine Spuren in häuser- und turmähnlichen Gebilden hinterlassen. Prismenähnliche Brechungen, kaleidoskopartige Zerlegungen wechselwirken mit runden, weichen, Harmonie und Geborgenheit verheissenden Formen und Räumen in einer anscheinend unberührten und unverdorbenen Natur. Aber letztere ist doch bedroht, der “letzte Kastanienbaum”, von unheimlich erscheinenden Kräften aus der Bildmitte gezogen, legt Zeugnis davon ab.

The Last Chestnut, 2007,  Öl auf Leinwand, 140 x 120 cm

Die mit Farben in manchem ungewohnt bestückte Palatte, die der Künstler uns unterbreitet, berührt in besonderer Weise Augen und Sinne: Die verschiedenen Grüns, Symbol für von Menschenhand unbelastete und unbeschädigte Natur, für Naturschutz schlechthin, Symbol auch für das Gute, Richtige und Ordnungsgemässe (Grün als positive Signalfarbe) erweckt Gefühle der Sympathie, gepaart mit den Stufungen des Gelb verheisst es Frühlingshaftes und Frühsommerliches, junges Leben in Aufbruch und Entwicklung. Das Blau verspricht Ruhe, Ausgleich und Kontemplation, führt aber zugleich weiter zu Romantik und Sehnsucht, Ferne und Transzendenz. Das emotional aufreizende, mit Liebe und Leidenschaft, aber auch Konflikt und Aggression verbundene Rot meidet Lee, nur selten treffen wir es – und auch dann nur eher Ungutes verkündend – in seinen Arbeiten an.

Vanishing Tree, 2011, Öl auf Leinwand, 50 x 40 cm

Möchte Julian Lee in seiner Kunst die menschliche Welt mit all ihren Errungenschaften wie Fehlentwicklungen mit der Natur versöhnen, so könnte man vordergründig fragen? Oder führt und begleitet er uns nicht vielmehr in tiefere Dimensionen kosmischen Geschehens, das in der irdischen Natur den für uns Menschen wahrnehmbaren Ausgang nimmt? Und kommt es nicht allein auf den Standort des Betrachtenden an, darauf, ob er in den Linsensatz als Mikro- oder vom anderen Ende her als Teleskop schaut, in den Mikro- oder den Makrokosmos, die sich im Letzten doch so sehr ähneln?

Disappearing Tree, 2009, Öl auf Leinwand, 190 x 140 cm

(Werke / Fotografien © Julian Lee)

Julian Lee “Highly Accurate Shapes”, KunstRaum Riedberg der Goethe-Universität Frankfurt am Main, bis 29. Februar 2012

Betrachtungen von Renate Feyerbacher

Hoffmann und Offenbach: zwei Gleichgesinnte

Der Literat, Musiker, Zeichner und Jurist E. T. A. (Ernst Theodor Amadeus) Hoffmann (1776 bis 1822), gebürtig in Königsberg, und der Komponist Jacques Offenbach (1819 bis 1880), in Köln geboren, haben einiges gemeinsam: Beide arbeiteten nicht um der hehren Kunst willen, sondern um schnell Geld ins Säckel zu bekommen. Beide hatten einen ausgeprägten Geschäftssinn. Beide wurden von Gläubigern verfolgt.

Beide sind sehr gesellig. Der eine streift über die Pariser Boulevards, der andere sitzt häufig im Weinhaus Lutter & Wegner, wo er bis morgens erzählt und trinkt. Beide sind auf Effekte aus, auf die Wirkung beim Publikum. Beide haben eine Schwäche für Fantastisches. Hoffmanns Gespensterwelt, seine Phantasmagorien ziehen den Komponisten in Bann.

14jährig geht Offenbach nach Paris, um mit Musik Geld zu verdienen. Da ist in Frankreich bereits die Begeisterung für den deutschen Poeten E. T. A. Hoffmann voll entbrannt. Offenbach, der Cello-Virtuose, wird von den französischen Zeitungsleuten mit Hoffmann in Verbindung gebracht: “Mit seinen langen Haaren, seinem schmalen Wuchs und seiner geistvollen Stirn könnte man ihn für eine Gestalt aus den fantastischen Erzählungen Hoffmanns halten“, hiess es 1843.

Acht Jahre später erlebt Offenbach die Uraufführung des fantastischen Dramas “Les Contes d’Hoffmann” (“Hoffmanns Erzählungen”) der Autoren Michel Carré und Jules Barbier. Es basiert auf Erzählungen des deutschen Poeten. Offenbach ist begeistert. Der Stoff lässt ihn nicht mehr los.

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts kippt die Stimmung. Die Begeisterung für Hoffmanns Werk schlägt um. Goethe hatte ja schon früh gewettert “krankhafte Werke eines leidenden Mannes”. Ebenso schwindet Offenbachs Ruhm. Der “Abgott der Boulevards” muss dringend ein Werk schaffen, das ihn aus der finanziellen Misere holt. Da erinnert er sich an “Les Contes d’Hoffmann”, die er 25 Jahre zuvor im Théâtre National de l’Odéon sah. 1877, drei Jahre vor seinem Tod, beginnt der Komponist mit der Oper. Diesmal nimmt er sich Zeit mit der Arbeit. Er hinterlässt allerdings ein Opern-Fragment. Der Epilog ist nur vorgezeichnet.

Alfred Kim (Hoffmann; rechts stehend in blauem Jackett) sowie im Hintergrund v. l. Florian Plock (Peter Schlemihl), Brenda Rae (Olympia), Elza van den Heever (Antonia), Michael MacCown (Cochenille), Claudia Mahnke (Giulietta) und Chor der Oper Frankfurt; Oper Frankfurt, Foto: © Wolfgang Runkel

Hoffmanns Erzählungen am Tresen

Hoffmann steht mit seinen Trinkkumpanen am Tresen. Vom Alkohol beseelt, erinnert er sich mit Wehmut an Stella, seine unvergessene Jugendliebe, nun eine gefeierte Opernsängerin. Sie gastiert mit Mozart in der Stadt. (Mozart war Hoffmanns und Offenbachs Lieblingskomponist.) Um seine Sehnsucht nach Stella zu überwinden, erzählt er drei Geschichten über seine Liebe zu ihr. In seiner Fantasie teilt er Stella in drei Frauen auf: in Olympia, eine automatisierte Puppe, in die schwindsüchtige Sängerin Antonia, die sich buchstäblich zu Tode singt, und in die Kurtisane Giulietta, der er verfällt, an die er nicht nur sein Herz, sondern auch sein Spiegelbild verliert. Hinter diesen “drei Frauen in einer einzigen Frau” sieht der völlig betrunkene Poet seine Stella, die einzig Geliebte. “Die Träume sind die einzige Wahrheit in dieser Welt, in der alles falsch ist.”

Regisseur Dale Duesing im Anschluss von “Oper extra”; Foto: Renate Feyerbacher

Der amerikanische Bariton Dale Duesing hat an allen grossen Opernhäusern der Welt gesungen. Opernwelt kürte ihn einst zum “Sänger des Jahres”. In Frankfurt sang er unter anderem den Wozzeck. Dale Duesing ist aber auch ein erfolgreicher Regisseur. Seine Frankfurter Inszenierung von Rossinis “Il viaggio a Reims” begeisterte. Nun hat er “Hoffmanns Erzählungen” inszeniert. Es geht um Träumereien, um Phantasmagorien.

Hoffmann steht auf einer fast leeren Bühne. Weit hinten der Tresen, die Bar – ein grosses Regal gefüllt mit Flaschen. Nichts Gemütliches ist da, das zu Träumereien einladen könnte. Hoffmann wirkt verloren auf dieser Bühne, die seine Einsamkeit unterstreichen soll. Befremdlich ist, dass die Akteure, Olympia, Antonia, Giulietta und andere sich bereits anfangs an der Bartheke tummeln. Es fehlt die Personenführung durch Dale Duesing. Er zeigt einen torkelnden Hoffmann. Seine Nöte, seine Ängste, seine Krankhaftigkeit werden nicht wirklich sichtbar.

Drei Frauen in Stella

Peter Marsh (Pitichinaccio), Alfred Kim (Hoffmann) und Brenda Rae (Olympia); Oper Frankfurt, Foto: © Wolfgang Runkel

Die Szene mit Olympia, die Bewegungen wie ein Roboter vollzieht, überzeugt nicht.

Es ist zu turbulent. Der Chor steht zu nah und die Marionetten, die über dem Geschehen auch noch kreisen, lenken ab. Sängerin Brenda Rae beeindruckt jedoch durch ihre Koloraturen und zieht so die ganze Aufmerksamkeit auf sich.

Auch die Szene mit Antonia, die sich nur um den auf der rechten Bühnenseite stehenden Flügel abspielt, hat wenig Dramatik. Elza van den Heever macht mit ihrem fulminanten Sopran die dramaturgische Einfallslosigkeit vergessen.

Alfred Kim (Hoffmann) und Elza van den Heever (Antonia); Oper Frankfurt, Foto: © Wolfgang Runkel

Die berühmte Barcarole leitet die dritte Erzählung ein. Auch hier kommt das Prickelnde der Erotik nicht wirklich zur Geltung. Es springt kein Funke über. Es geht ja immerhin um Verführung. Claudia Mahnkes starker Mezzosopran macht auch das vergessen. Wunderbar ihre kühle Überlegenheit.

Alfred Kim als Hoffmann, eine Überraschung – sängerisch, weniger darstellerisch.

Mühelos erreicht seine tenorale Stimme die Höhen und führt sie zur Entfaltung.

Giorgio Surian gibt die vier Bösewichte in “Hoffmanns Erzählungen”. Sehr intensiv ist sein Bass, und schauspielerisch überzeugt er auch. Peter Marsh in seiner Vierfachrolle gefällt.

Im Epilog führt Jenny Carlstedt als Muse mit schöner Altstimme den Dichter zu seiner wahren Bestimmung, nämlich der Kunst, zurück.

Einfachheit der Offenbach’schen Musik

Dirigent der Neuinszenierung ist Roland Böer. Sechs Jahre lang war er Kapellmeister an der Oper Frankfurt. Er hätte die Musiker des Frankfurter Opern- und Museumsorchesters manchmal mehr anfeuern können.

Von der Einfachheit der Mittel, derer sich der Komponist bedient, spricht Böer. “Die Musik lebt vom Gesang, der schlicht Dur-Moll-kadenziell begleiteten Melodie, ungetrübt durch Polyphonie oder gar psychologische Kontrapunktik.”

Dirigent Roland Böer im Anschluss von “Oper extra”; Foto: Renate Feyerbacher

Manchmal sind es nur wenige Töne, die sich oft wiederholen. Vielleicht ist das das Geheimnis der musikalischen Faszination von Offenbachs Musik. Beim Rausgehen aus dem Opernhaus summen einige Besucher die Barcarole. Das Publikum war zufrieden.

“Die Fantasie ist meine Amme, meine Zügel heissen Vergnügungen. Leicht und frech singe ich meine Lieder, und Tragödien kenne ich nicht”, singt Hoffmanns Muse. So leicht und beschwingt wie in seinen Operetten geht es in Jacques Offenbachs fantastischer Oper “Hoffmanns Erzählungen” nicht zu.

Trotz einiger Einwände zur Inszenierung ist das ein gelungener Opernabend. Er lebt vom Gesang.

Weitere Aufführungen in französischer Originalsprache mit deutschen Übertiteln in der Oper Frankfurt am 23. und 29. Oktober, am 6. November und noch dreimal im Dezember 2010.